Arte Popular do Brasil

GTO

2011-12-30T10:44:00.004-03:00

Geraldo Teles de Oliveira, o GTO, é um dos mais famosos e importantes escultores mineiros. Ele nasceu na cidade de Itapecerica em 1913, mas ainda criança se mudou para Divinópolis. Autodidata, antes de se tornar escultor foi servente de pedreiro, guarda sanitário e guarda noturno. Seu primeiro trabalho surgiu de um sonho em 1965 e a partir de então ele passou a considerar sua obra como um legado divino e uma missão. GTO passou a infância e a juventude em Divinópolis. Aos 28 anos mudou-se para o Rio de Janeiro, onde trabalhou como moldador, funileiro e fundidor. Em 1951 retorna a Divinópolis onde conseguiu emprego como guarda noturno do Hospital São João de Deus. A pedido do padre da cidade esculpiu uma imagem para a igreja do Bom Jesus. Descoberto por um arquiteto mineiro sua peças foram logo sendo comercializadas por galerias de arte de todo o Brasil. O artista morreu em 1990 deixando uma vasta produção artística.

GTO. FOTO: autoria desconhecida.

GTO criou um estilo próprio e muito peculiar para sua obra. Ao esculpir, soltava a imaginação, talhava a própria história e da comunidade onde vivia. Suas peças retratam figuras humanas, de forma esquemática e repetida, aliadas aos símbolos geométricos do circulo e do retângulo. A pluralidade de suas figuras termina por construir imagens de grande equilíbrio e unidade formal. Nas Rodas Vivas de GTO, o centro é comumente sugerido, mas quase nunca configurado, como nas mandalas orientais. A multiplicidade de figuras resulta numa trama que as dissolve no ritmo dos cheios e vazados. Nos blocos formados pelas figuras, a rede humana toca-se pelas extremidades, mãos, pés, cabeças, formando elos infinitos. A mão espalmada, ou tocando outra figura é o grande elemento de ligação entre os corpos. A riqueza de detalhe é tanta que ainda impressiona colecionadores do Brasil e do exterior.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, SP.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Escritório de Arte.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, SP.

GTO participou de várias exposições no Brasil e no exterior dentre elas: X BISP, SP (1969); I Salão de Arte Contemporânea, BH (1969); Biennale Formes Humaines, Musée Rodin, Paris, França (1974); Sala Especial na XIII BISP (1975); I Salão de Artes Plásticas do CEC, Palácio das Artes, BH (1978); Bienal de Veneza, Itália (1980). Participou, entre outras, das seguintes exposições coletivas: Copacabana Palace juntamente com Rodelnégio Gonçalves Neto e Júlio José dos Santos, RJ (1968); Exposição de Arte Ingênua, BH (1968), 1ª Semana de Arte, Divinópolis (1969); O Processo Evolutivo da Arte em Minas, Palácio das Artes (1970); Brasil Export 73, Bruxelas, Bélgica (1973); Galeria Montparnesse, Paris (1974); II Festival Mundial e Africano de Arte e Cultura Negra, Lagos, Nigéria (1977); Mitos e Magia, Bienal Latino-Americana, SP (1978); Galeria Bonino, RJ (1980); Art Brut, Cine Metrópole, BH (1985); Arte em Madeira, Museu do Folclore, RJ (1986); I e II Madeira à Moda Mineira¸ Galeria Trem de Minas, RJ (1987-88); Coletiva promovida pela Vale do Rio Doce, RJ (1990); Centro Cultural UFMG- 10 Anos, Centro Cultural UFMG, BH (1999). Sua primeira mostra individual foi na Galeria Guignard, BH (1967), fez várias mostras em Divinópolis, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, São Paulo e em cidades do exterior. Foi realizada exposição póstuma durante a 31º Semana de Folclore: Cinco anos sem novos sonhos de GTO, Galeria Paulo Campos Guimarães, BH (1995). GTO tem obras na Igreja do Senhor Bom Jesus, Divinópolis; Prefeitura de São João del-Rei, MG; Museu Mineiro, Fundação Clóvis Salgado e MAP, BH; Casa de Cultura, RJ.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, SP.

Sobre o artista e sua obra foram realizados dois filmes de curta metragem: O Escultor dos Sonhos, de Camillo de Souza Filho e A Árvore dos Sonhos, de Carlos Augusto Calil. Em 1977 a Empresa Brasileira de Correios e Telégrafos, lançou um selo postal veiculando um de seus trabalhos, dentro da série dedicada ao II Festival de Arte e Cultura Negra e Africana.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

A obra de GTO está sendo perpetuada pelo seu filho Mario Teles e seu neto Geraldo Fernandes.

Fonte:

- Frota, LC. Pequeno Dicionário da Arte do Povo Brasileiro – Século XX. Aeroplano Editora, Rio de Janeiro, 2005.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Palácio de Leilões.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

GTO, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Jacques Ardies.

Jotacê

2011-10-01T20:58:00.007-03:00

Jiovaldo Chaves Araújo, mais conhecido como Jotacê, é um dos mais prestigiados artistas baianos. Ele nasceu no município de Senhor do Bonfim, Bahia, mas há mais de 20 anos mora na cidade de Lençóis, porta de entrada Chapada Diamantina. Hoje aos 77 anos, molda figuras alegóricas em cerâmica, madeira ou vidro que lembram santos, porém com características próprias. Realiza também incisões em placas de ardósia, abundantes na região, retratando a fauna e a flora locais. Jotacê trabalha há mais 50 anos com arte e incentivou os seus quatro filhos a seguir o mesmo caminho.

Jotacê. Reprodução fotográfica, autoria desconhecida

As obras de Jotacê já foram expostas em várias cidades brasileiras. Dentre as exposições mais importantes que participou destaca-se a Mostra do Redescobrimento, realizada em 2000 no Parque do Ibirapuera em São Paulo.

Contato com Jotacê:

Alto da Estrela, sn, Lençóis, BA.

Tel: 8838-9317, 8822-1387

Jotacê, título desconhecido, escultura em pedra ardósia. Reprodução fotográfica Galeria Brasiliana, São Paulo, SP.

Jotacê, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Brasiliana, São Paulo, SP.

Jotacê, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP.

Jotacê, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Brasiliana, São Paulo, SP.

Samico

2011-09-15T14:31:00.002-03:00

Gilvan José de Meira Lins Samico é um dos mais conhecidos e importantes gravuristas do Brasil. Ele nasceu no Recife no dia 15 de junho de 1928 e atualmente reside e trabalha em Olinda, Pernambuco. Samico é também desenhista e pintor, mas foi através da gravura que seu nome foi escrito na galeria dos grandes artistas brasileiros.

Gilvan Samico. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico começou sua carreira através do desenho, praticando no Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife (1957), então dirigido por outro grande nome da arte pernambucana e brasileira, Abelardo da Hora. Seus trabalhos dessa época quase todos se perderam: o ateliê enfrentou uma crise financeira e pela falta de pagamento do aluguel de sua sede, o dono da casa adentrou no ateliê e jogou fora a maior parte dos trabalhos que ali havia. Quando ocorreu este incidente, Samico já se encontrava em São Paulo, estudando na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna.

Samico, sem título (1958), nanquin a pincel sobre papel 47x32 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, sem título (1957/59), nanquin a pincel sobre papel 20,7x25,5 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico conta que a gravura em sua vida foi uma espécie de topada, um acidente de percurso. Ele nunca tinha se interessado por ela. Na época havia no Rio Grande do Sul o conhecido Clube da Gravura. Seguindo o exemplo, Abelardo da Hora pensou em fazer no Recife o Clube da Gravura da Sociedade de Arte Moderna. Foi aí que Samico fez sua primeira gravura em uma placa de gesso. Do gesso passou à madeira. Quando foi para São Paulo, essa era a única experiência de Samico com a gravura, embora já tivesse exposto alguns trabalhos no Salão do Recife, inclusive tendo sido premiado. Samico nunca pensou em ser gravador. Com o incentivo de artistas como Aluisio Magalhães e Francisco Brennand acabou indo trabalhar em São Paulo com Lívio Abramo, um importante gravador, ilustrador e desenhista paulista. Ali na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna Samico desenvolveu seu talento para a gravura. Depois se mudou para o Rio de Janeiro, onde trabalhou com outro talentoso desenhista, ilustrador e gravador, dessa vez carioca, Oswaldo Goeldi, na Escola de Belas Artes. Samico conta que sua permanência com Goeldi foi para escutar o que ele dizia do trabalho dos outros e de umas poucas gravuras que ele fez por lá: Com Goeldi, o que aprendi foi ouvindo e observando, conta.

Foram sete anos fora do Recife. No início da década de 60, em uma de suas visitas à capital pernambucana, Samico encontra Ariano Suassuna. Nessa época Samico não estava satisfeito com as gravuras que vinha fazendo, achava-as muito noturnas e não tinha uma sinalização de que ele estava fazendo uma arte no Brasil. Foi aí que Ariano aconselhou Samico a “mergulhar” no mundo do cordel, dos gravadores populares: Rapaz, isso aí foi o mesmo que um coice de mula, conta Samico.

Samico, Homem e cavalo (1958), xilogravura 24x35,5 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, Três mulheres e a lua (1959), xilogravura 26,5x27,3 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico então começou a trabalhar nessa direção e a gravura começou a clarear. Ele conta que as primeiras ainda deixavam o “resto da madeira”, aqueles cortes que o gravador não controla muito, só até certo ponto, e as sobras ficam como uma surpresa: Fui tirando aos poucos esses restos, até que reduzi a gravura a uma figura toda em linha, alguns chapados pretos, e um ligeiro traçado para animar, conta.

Samico, João, maria e o pavão azul (1960), xilogravura 24,5x31 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, Dama com luvas (1959), xilogravura 36x29,6 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, Alexandrino e o pássaro de fogo (1962), xilogravura 42,7x51,7 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Com o tempo, o sentido de profundidade e de perspectiva desapareceu da gravura de Samico, a qual se transformou em um plano só. Qualquer sugestão de profundidade é dada pela sobreposição de planos. Ele diz que não há em suas obras nenhuam linha de fuga ou o interesse em que uma imagem lá atrás seja menor que a da frente pra poder dar esse efeito de profundidade. Com o tempo, a gravura de Samico também foi ganhando cor. A cor servia para a diferenciação dos cortes, das tramas, da gama de valores contidas na gravura, diz Samico. O uso das cores, segundo ele, é uma frustração do pintor ou do não-pintor: Se não tenho como mostrar minha pintura, boto cor na minha gravura, diz.

Samico faz uma gravura por ano. Perfeccionista, o artista diz que passa mais tempo preso ao projeto da gravura do que mesmo na gravura. Com o projeto pronto, em cerca vinte dias ele tira nem que seja a primeira impressão. O título de cada trabalho pode ser dica, às vezes em função de um elemento ou uma situação. Sua produção é marcada pela recuperação do romanceiro popular nordestino, por meio da literatura de cordel e pela utilização criativa da xilogravura. Suas gravuras são povoadas por personagens bíblicos e outros, provenientes de lendas e narrativas locais, assim como por animais fantásticos e míticos.

Samico, Luzia entre feras (1968), xilogravura 53x33 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, O devorador de estrelas (1999), xilogravura 93,7x55 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, O segrado (1997), xilogravura 56x81 cm. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Samico, A criação das sereias - alegoria barroca (2002), xilogravura 55,5x91 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, O retorno (1995), xilogravura 55,5x90,3 cm. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Samico tem obras em importantes museus e galerias pelo mundo, como: o Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães – MAMAM (Recife), a Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo) e o Museum of Modern Art – MoMA (Nova Iorque, EUA). Em 1971, Samico foi convidado por Ariano Suassuna a integrar o Movimento Armorial, voltado à cultura popular nordestina e à literatura de cordel. As obras de Samico compuseram várias exposições individuais e coletivas pelo mundo. Cita-se algumas abaixo:

1960 - Recife PE - Individual, na Galeria Lemac

1962 - Madri (Espanha) - Arte de América y España

1962 - Barcelona (Espanha) - Arte de América y España

1962 - Paris (França) - Arte de América y España

1962 - Munique (Alemanha) - Arte de América y España

1962 - Bruxelas (Bélgica) - Arte de América y España

1962 - Amsterdã (Holanda) - Arte de América y España

1962 - Milão (Itália) - Arte de América y España

1962 - Berna (Suiça) - Arte de América y España

1962 - Minneapolis (Estados Unidos) - New Art of Brazil, no Walker Art Center

1962 - Recife PE - 2ª Panorâmica de Artes Plásticas de Pernambuco, no Clube Internacional de Recife

1962 - Rio de Janeiro RJ - 11º Salão Nacional de Arte Moderna, no MAM/RJ - prêmio viagem ao país

1962 - Veneza (Itália) - 31ª Bienal de Veneza - prêmio arte litúrgica

1964 - Recife PE - Individual, na Galeria Prefeitura

1965 - Rio de Janeiro RJ - Individual, na Petite Galerie

1966 - João Pessoa PB - Individual, na Universidade Federal da Paraíba - UFPB

1966 - Recife PE - Individual, na Galeria do Teatro Popular do Nordeste

1970 - Madri (Espanha) - Individual, na Galeria de Arte da Casa do Brasil

1985 - Cidade do México (México) - Individual, no Museo Nacional de las Culturas Populares

1989 - Porto Alegre RS - Individual, na Bolsa de Arte de Porto Alegre

1994 - Porto (Portugal) - Cumplicidades, na Cooperativa Árvore

1995 - São Paulo SP - Individual, no Escritório de Arte Sylvio Nery da Fonseca

1996 - Olinda PE - Gilvan Samico: gravuras e pinturas, na Galeria Sobrado

1997 - Rio de Janeiro RJ - Gilvan Samico: 40 anos de gravura, no CCBB

1998 - Recife PE - Gilvan Samico: 40 anos de gravura, no MAMAM

1999 - Belo Horizonte MG - Gilvan Samico: 40 anos de gravura, no Museu de Arte da Pampulha

2003 - Rio de Janeiro RJ - O Outro lado do Rio, no Paço Imperial

2004 - São Paulo SP - Samico: do desenho à gravura, na Pinacoteca do Estado.

2004 - Rio de Janeiro RJ - 90 Anos de Tomie Ohtake, no MNBA

2004 - Rio de Janeiro RJ - Tomie Ohtake na Trama Espiritual da Arte Brasileira, no MNBA

2008 - 47º Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, Exposição Narrativas em madeira e muro: Presença da xilogravura popular nas obras de Samico e Derlon, Museu do Estado de Pernambuco, Recife.

Fonte:

Catálogo da exposição “Samico: do desenho á gravura”. Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, SP, 2004.

Samico, No reino da ave dos três punhais (1975), xilogravura 74,7x41 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, O outro lado do rio (1980), xilogravura 90x47 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, Rumores de guerra em tempos de paz (2001), xilogravura 92x50,5 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, Criação - homem e mulher (1993), xilogravura 90,7x49,7 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, A espada e o dragão (2000), xilogravura 93x48,7 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

Samico, A caça (2003), xilogravura 92,7x47,4 cm. Reprodução fotográfica do catálogo da exposição "Samico: do desenho à gravura", Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2004.

João da Lagoa

2011-09-14T12:11:00.003-03:00

João Francisco da Silva, mais conhecido como João da Lagoa, nasceu na cidade alagoana de Girau do Ponciano em 1940. Durante toda sua vida morou na zona rural do município vizinho de Lagoa da Canoa, até a sua morte no dia 29 de junho de 2009, vítima de uma parada cardiorrespiratória aos 69 anos de idade. Filho de agricultores, João da Lagoa sempre trabalhou na roça e começou a esculpir de “brincadeira”, como forma de passar o tempo.

João da Lagoa. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São Paulo, SP (www.galeriaestacao.com.br).

Obras de João da Lagoa. Reprodução do blog Arteemter (arteemterblog.blogspot.com).

João da Lagoa, título deconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São Paulo, SP. (www.galeriaestacao.com.br)

Com seu trabalho João da Lagoa se transformou no principal escultor da região onde morava. Trabalhou a madeira de forma longilínea, com um fazer simples e contemporâneo, embora carregasse a marca do artista de impulso, espontâneo, autodidata. Católico, sua obra teve como principal referência os santos mais populares da Igreja Católica, porém sem o rebuscamento dos santeiros tradicionais. João da Lagoa deixou uma importante obra que pode ser encontrada em importantes coleções particulares de Arte Popular e em museus no Brasil, Portugal e França.

João da Lagoa, N.S. das Dores, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP. (www.galeriapontes.com.br)

João da Lagoa, título desconhecido, madeira. FOTO: José Raimundo (Galeria Jequitibá)

João da Lagoa, Sagrada Família, madeira. Reprodução fotográfica, autoria desconhecida.

João da Lagoa, título deconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São Paulo, SP. (www.galeriaestacao.com.br)

João da Lagoa, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP. (www.galeriapontes.com.br)

João da Lagoa, Homem pássaro, madeira. FOTO: Vinícius Xavier (Galeria de Vinícius Xavier - galeriaviniciusxavier.blogspot.com)

João da Lagoa, título deconhecido, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São Paulo, SP. (www.galeriaestacao.com.br)

Mestre Fida

2011-09-12T15:49:00.003-03:00

Valfrido de Oliveira Cezar, mais conhecido como Mestre Fida, nasceu em 1957 na comunidade Quilombola do Timbó, localizado no distrito Iratama, município de Garanhuns, Pernambuco. Ele faz esculturas em madeira, entre as quais a mais famosa e a que mais caracteriza sua obra é o homem-cata-vento, uma escultura articulada com braços grandes e pás sensíveis à ação do vento. Além de seus famosos cata-ventos, o artista esculpe ex-votos e utilitários de madeira e cestaria de cipó. Mestre Fida é ainda construtor e em sua comunidade faz barbas, corta cabelos, dá conselhos e é o centro avante do "Barcelona do Timbó".

Mestre Fida. Reprodução fotográfica Babel das Artes (www.babeldasartes.com.br)

O primeiro contato do mestre com a principal temática de sua obra ocorreu quando ele ainda era criança. Seu pai tinha um amigo que fazia cata-ventos e dava pra ele. O artista conta que “cresceu com isso na cabeça”. No meu canto, fiz um. Primeiro só no pau, sem rosto, Depois coloquei rosto. Rapaz, a gente não nasce aprendido, não! A gente faz, o outro olha e faz também. As coisas são assim, por isso você tem que fazer bem feito. Mestre Fida é herdeiro dos tradicionais saberes materiais do povo do povo Quilombola do Timbó e de antigos mestres como o contador de histórias Ciço de Rosinha, marco fundamental de sua formação artística.

Mestre Fida, Homem Cata-vento, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São paulo, SP.

Mestre Fida, Sem título, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São paulo, SP.

A marca de seu trabalho está presente nas principais coleções de arte popular do estado de Pernambuco, do Brasil e de diversas partes do mundo. Presença constante todos os anos no Salão de Arte Popular de Pernambuco e na Praça dos Mestres na Fenearte (Feira Internacional de Arte, Recife), o Mestre Fida é considerado um dos principais nomes da genuína arte brasileira contemporânea. Suas obras já fizeram parte de diversas exposições pelo Brasil, dentre elas a Mostra do Redescobrimento, ocorrida em São Paulo no ano 2000 em comemoração aos 500 anos de descobrimento do Brasil.

Contato com Mestre Fida:

Iumas do Timbó, Quilombo Timbó - Distrito Iratama- Garanhuns, CEP: 52290-000

Fone: (87) 9103-8273

Mestre Fida, Ex-voto, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São paulo, SP.

Mestre Fida, Homens Cata-vento, madeira. Acervo do Museu Théo Brandão, Maceió, AL. FOTO: Joana Vieira.

Mestre Fida, Homens Cata-vento, madeira. Reprodução fotográfica Galeria Estação, São paulo, SP.

Mestre Fida, Ex-votos, madeira. Reprodução fotográfica Babel das Artes (www.babeldasartes.com.br).

Mestre Zé Lopes

2011-08-18T10:44:00.004-03:00

José Lopes da Silva Filho, o mestre Zé Lopes, é um dos mamulengueiros mais conhecidos do Brasil. Ele nasceu em um sítio em Cortesia, município de Glória de Goitá, Pernambuco, em 1950. A paixão pelos bonecos começou ainda menino, aos 10 anos de idade. Quando ia a Glória de Goitá ficava em volta do mercado de farinha ouvindo os mestres anunciar seus espetáculos de bonecos ou de mamulengo*. Aos 15 anos de idade já havia feito seu primeiro boneco. Porém, sua carreira de mamulengueiro teve que ser interrompida pelo fato dele ter ido "tentar a vida" em São Paulo. Na década de 80 retorna a Glória de Goitá e funda o Mamulengo Teatro do Riso. Com o Teatro do Riso, mestre Zé Lopes fez várias excursões pelo Brasil e Europa.

Mestre Zé Lopes com um de seus mamulengos. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Artesão, artista e militante do mamulengo há mais de 40 anos, mestre Zé Lopes reivindica reconhecimento para o ofício e o uso dos bonecos para a educação e a promoção da cidadania. Os espetáculos do Mestre Zé Lopes seguem a tradição do Mamulengo, cuja encenação se dá por meio de passagens recheadas de muita improvisação e cantorias. No repertório loas, baianos, marchas e forrós, entre outros ritmos, executados por um conjunto formado por um sanfoneiro e percussionistas. Os personagens característicos também estão presentes como Benedito, Joaquim Bozó e Quitéria, entre outros.

Mestre Zé Lopes, Caboclo de lança, técnica mista. Reprodução fotográfica acasa.org

Mestre Zé Lopes, Simão, técnica mista. Reprodução fotográfica "Em nome do autor", Proposta Editorial, SP.

Mestre Zé Lopes, Caboclo de lança, técnica mista. Reprodução fotográfica acasa.org

* Mamulengo é um boneco de manipulação muito comum no nordeste do país. Diferentemente das famosas marionetes, esse boneco da tradição popular nordestina é manipulado por baixo, diretamente pelas mãos ou através de varas.

Mestre Zé Lopes, Vaqueiro Benedito, técnica mista. Reprodução fotográfica "Em nome do autor", Proposta Editorial, SP.

Mestre Zé Lopes, Lanceiros de Maracatu, técnica mista. Reprodução fotográfica JucaFii (Flickr).

Mestre Zé Lopes, Dragão, técnica mista. Reprodução fotográfica "Em nome do autor", Proposta Editorial, SP.

Manoel da Marinheira

2011-08-17T11:22:00.003-03:00

Manoel Cavalcanti de Almeida, mais conhecido como Manoel da Marinheira, foi um dos mais importantes escultores brasileiros que fez história na pequena Boca da Mata, Alagoas, a 68 Km de Maceió. Ele nasceu em 1917 e desde muito pequeno ajudava seu pai no trato da madeira, fazendo pequenos brinquedos para ele próprio. Seu pai, além de trabalhar na roça, fazia santos e figuras de animais em madeira. Foi aos 14 anos de idade que Manoel pegou escondido uma ferramenta do seu pai e fez sua primeira escultura, um coelho. Foi assim que tudo começou. Segundo seu filho André, o nome Marinheira começou com o avô, pai de Manoel. “Ele chegou em um navio e não quis mais sair daqui. Sua avó ficou conhecida como a Marinheira e quando meu pai nasceu, passou a ser o Manoel da Marinheira”.

Manoel da Marinheira. Foto: acervo da família do artista.

Foi trabalhando com a madeira que Manoel da Marinheira sustentou sua família. Usando como matéria-prima troncos de jaqueira, Marinheira conseguiu confeccionar durante anos de labuta centenas de peças, retratando animais da fauna brasileira, quase sempre em grandes proporções, com destaque para os felinos. O talento do artista fez com que suas obras o tornassem conhecido nacionalmente. Essa visibilidade começou no final da década de 60 quando o empresário Jorge Tenório passou a residir em Boca da Mata e a colecionar suas peças. Na década de 70, quando o fotógrafo Celso Brandão e o artista plástico Fernando Lopes conheceram o escultor, também passaram a se interessar pelos seus trabalhos e a divulgá-los junto a artistas e intelectuais. Da obscuridade em que vivia às luzes da capital foi um salto. Manoel da Marinheira encarava essa mudança com naturalidade, gratidão e muito trabalho. Foi o prazer pela arte de domar a madeira que fez com que o artista trabalhasse até quando a vista lhe permitiu. Felizmente esse percurso foi longo e a extensa produção do escultor é hoje disputada por museus e colecionadores de todo o país.

Manoel da Marinheira, Leão, madeira. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

Casado por duas vezes, o artista teve 20 filhos, dos quais cinco - André, Antonio, Maria Cícera, Manuel e Severino - seguiram o seu ofício. Quem quiser conferir a obra de Manoel da Marinheira pode ir ao museu que leva seu nome, situado no balneário Águas de São Bento, na Fazenda Bento Moreira, em Boca da Mata. O acervo possui cerca de 700 peças, que pertencem à coleção do empresário Jorge Tenório.

Fonte:

- Lima, Beth & Lima, Valfrido. Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

- Dantas, Carmen Lúcia. Gazeta de Alagoas, Caderno B, Edição de 28 de maio de 2003.

Manoel da Marinheira, Coelho, madeira. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

Manoel da Marinheira, Leão, madeira. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Manoel da Marinheira, Leão, madeira. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

Tiago Amorim

2011-07-24T16:16:00.007-03:00

Sebastião Wilson Ferreira de Amorim, o Tiago Amorim, é um pintor, desenhista, escultor, ceramista, gravador e pesquisador pernambucano. Ele nasceu na cidade de Limoeiro no dia 09 de janeiro de 1943, mas desde muitos anos mora em Olinda. Com mais de 30 anos de vivencia cotidiana com arte, já fez experiências com diferentes tipos e texturas de barro, tendo trabalhado em várias locais do estado de Pernambuco, incluindo Tracunhaém, cidade que tem longa tradição de abrigar ceramistas.

Tiago Amorim. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

A obra de Tiago permanece fiel ao seu estilo, que mistura elementos da arte popular, em figuras retiradas da natureza, adicionando a elas formas elegantes e sóbrias. Seu universo é invadido por pássaros, peixes e mulheres moldados no barro, queimados crus ou esmaltados. Tiago Amorim é um dos herdeiros da pujança cultural de Pernambuco, mas não se prende fixamente a nenhum dos estilos mais conhecidos, passeando por vários deles para construir seu próprio traçado. Assim, embora flerte com a arte popular, com a erudição de Francisco Brennand e até com a história da influência da arquitetura portuguesa em Pernambuco, o artista sente-se livre para combinar esses elementos no seu repertório.

Tiago Amorim, atobás, cerâmica. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tiago Amorim, peixe, cerâmica. Reprodução fotográfica Casa de Valentina (www.casadevalentina.com.br).

Tiago Amorim, burro, cerâmica. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, SP (www.galeriapontes.com.br).

Numa entrevista ao Jornal do Comércio, Tiago Amorim revelou que sua fase atual, mais que a pintura e a escultura, está na criação a partir da modelagem da argila. Conhecimento que aprimora desde os tempos de menino e suas passagens por cursos inacabados até a chegada em Tracunhaém entre os anos de 1959 e 1960. O encontro definiu seu caminho e a busca por uma identidade própria, até hoje defendida, sobretudo quando para combater a pirataria sobre sua própria criação, constantemente copiada.

Tiago Amorim, pinha, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Casa de Valentina (www.casadevalentina.com.br).

Tiago Amorim é bastante conhecido nacional e internacionalmente e participou de diversas exposições, tanto no Brasil quanto no exterior, que lhe renderam vários prêmios. Às terças, quintas e sábados, o artista ministra oficinas de arte e cultura para crianças carentes e nestes dias seu ateliê é aberto ao público para visitas, tendo se tornado uma das principais referências da arte da histórica cidade de Olinda.

Contato com Tiago Amorim:

Rua Guaianazes, 141 - Jardim Fragoso- Olinda

Associação/cooperativa: APA - Associação de Produtores Artesanais

Contatos: (81) 3429-1230

Tiago Amorim, atobá, cerâmica. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tiago Amorim, gansos, cerâmica. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tiago Amorim, peixe, cerâmica. Reprodução fotográfica Portal do Artesanato Pernambucano

Tiago Amorim, atobás, cerâmica. Reprodução fotográfica Casa de Valentina (www.casadevalentina.com.br).

Video realizado durante a Fenearte-2011, Recife-PE

Tota

2011-05-28T11:40:00.002-03:00

Antônio Paschoal Régis, o Tota, nasceu na cidade de Tracunhaém, Pernambuco, em 1932, mas passou grande parte de sua vida em João Pessoa, capital da Paraíba, onde faleceu em 2003. Descendente da mais autêntica tradição oleira de Tracunhaém, Tota começou a trabalhar com cerâmica ainda criança e dedicou uma vida inteira ao universo do barro. Ele deixou um rico acervo de obras em museus e coleções particulares no Brasil e no exterior.

Tota. Reprodução fotográfica "Dicionário das Artes Visuais da Paraíba".

Dos tempos em que produzia utilitários em Tracunhaém, na Zona da Mata de Pernambuco – onde metade da população vive de transformar barro ‘em santo ou em panela’ – até emprestar sua experiência à indústria paulista de cerâmica, tudo o que Tota fez na vida, o fez com o barro. Assim, criou família e ganhou notoriedade quando, em 1972, além de exímio oleiro de panelas e potes, se descobriu ‘artista’! E para comprovar a pureza e singularidade da obra de Tota, conta-se que um crítico de arte carioca propositalmente confundiu um grupo de especialistas em concorrido encontro no Rio de Janeiro, apresentando-lhes uma das cerâmicas do artista como sendo de autoria de Picasso, tal a surpreendente identidade visual das peças de ambos os artistas. Desfeito o mal entendido, todos se espantaram ao saber que o verdadeiro autor era um artista popular da longínqua Paraíba e, mais ainda, que ele jamais ouvira falar de Pablo Picasso... (Dyógenes Chaves, ABCA/AICA).

Tota, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica "Cerâmica no Rio".

Tota, São Francisco, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

As peças produzidas por Tota, utilitárias e/ou decorativas, eram produzidas com barro colhido em jazidas da região que ele próprio preparava, pisando e peneirando. Na modelagem das peças ele usava torno de oleiro de pé e outras técnicas, na decoração utilizava esmaltes de tons variados. As peças eram queimadas em um rústico forno à lenha. Suas figuram revelam despreocupação com qualquer registro realista. São peças completamente livres do formalismo doado pela natureza, antropomorfizadas e profundamente expressivas do drama da região onde viveu.

Tota, Branquinho, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Brasiliana, São Paulo, SP (www.galeriabrasiliana.com.br).

Tota, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tota, Figura antropomórfica, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica A CASA - Museu do objeto brasileiro (www.acasa.org).

Tota participou de inúmeras exposições individuais e coletivas. Dentre elas merecem destaque: Centro Cultural São Francisco (1975); Sesc São Paulo (1976); UFPB (1978); Galeria Gamela (1981); Tota – Barro puro e simples [homenagem póstuma] (Usina Cultural Energisa, 2009); Galeria Batik [com José Lucena] (João Pessoa, 1977); Centro Social Urbano Monsenhor José Coutinho (João Pessoa, 1980); Funesc (1983); Rio Design Center (Rio de Janeiro, 1984). Participou do Salão Nacional do Ceará (Fortaleza, 1984). No XII Fenart (Funesc, 2008), ocupou Sala Especial como integrante da mostra Panorama da Cerâmica Artística.

Tota, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica "Dicionário das Artes Visuais da Paraíba".

Tota, Duplo ser, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Brasiliana, São Paulo, SP (www.galeriabrasiliana.com.br).

Tota, Cavalo-marinho, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tota, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica Galeria Pontes, São Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

Tota, título desconhecido, cerâmica policromada. Reprodução fotográfica "Cerâmica no Rio".

Leonilson

2011-04-05T14:43:00.002-03:00

Leonilson Arcanjo, conhecido pelos seus amigos como Galeguinho, é um jovem artista alagoano nascido em Capela, cidade localizada na Zona da Mata de Alagoas. Ele é discípulo de um dos mais importantes mestres da cerâmica deste país, o João das Alagoas. Leonilson começou a trabalhar com o barro quando tinha apenas oito anos. Foi o seu pai Edmilson Holanda que o incentivou e que o levou até o ateliê do mestre João das Alagoas. De lá nunca mais saiu.

Leonílson. Reprodução fotográfica O Jornal, Alagoas.

Apesar da influência do mestre, Leonilson desenvolveu um estilo próprio para a sua arte. Ele tem certa preferência pela escultura sacra. Suas peças são feitas normalmente em miniatura, com expressões bem definidas e sempre alegres. Hoje aos dezenove anos continua em plena atividade e com uma carreira artística em grande ascensão.

Leonílson, Pietá, cerâmica, tamanho ~10 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, S. Jorge, cerâmica, tamanho ~8 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, Nossa Senhora Aparecida, cerâmica, tamanho ~15 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Em dezembro de 2010 o artista conquistou o primeiro lugar no concurso “Natal com Arte”, realizado em Maceió. A peça com a qual concorreu já é uma das mais procuradas. Trata-se de uma arvore de natal com formato de um mandacaru, tendo no topo um presépio e vários anjos pendurados como se fossem músicos de uma banda de pífano.

Leonílson, Árvore de Natal, cerâmica, tamanho ~40 cm de altura. Reprodução fotográfica O Joarnal, Alagoas. Peça que Leonilson ganhou o concurso "Natal com Arte" em Maceió.

Suas peças têm sido cada dia mais procuradas. Elas podem ser encontradas em galerias especializadas em arte popular ou diretamente encomendadas ao artista.

Contato com Leonilson (Sil):

Tel: (82) 9991 5250

Leonílson, A fuga de José, Maria e Jesus, cerâmica, tamanho ~8 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, Família de lavradores, cerâmica, tamanho ~7 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, Arvore de Natal, cerâmica, tamanho ~40 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, Arvore de Natal (detalhe), cerâmica, tamanho ~40 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Leonílson, Família de lavradores, cerâmica, tamanho ~7 cm de altura. Foto: arquivo pessoal.

Ditinho Joana

2011-03-23T11:23:00.003-03:00

Benedito Silva Santos, o Ditinho Joana, nasceu em 12 de março de 1945 em São Bento do Sapucaí, São Paulo. Ex-lavrador, trocou a enxada pelas ferramentas de esculpir e se tornou um dos maiores artistas populares do Brasil. Ditinho começou a trabalhar com a madeira a partir de 1974. Autodidata e utilizando apenas canivete, machadinha e formão improvisados por ele mesmo, passou a criar personagens que fizeram ou que fazem parte da história do seu povo. Ditinho Joana vive no bairro do Quilombo, comunidade rural do município de São Bento do Sapucaí.

Ditinho Joana. Reprodução fotográfica do blog Artesão Profissional (http://artesaoprofissional.elo7.com.br/).

As obras de Ditinho impressionam pela sensibilidade e pelos detalhes. Ainda hoje, usando as mesmas ferramentas de antes, esculpe suas peças em único bloco de madeira, sem encaixes ou emendas. Em seus trabalhos o artista utiliza madeira de lei como o Jacarandá e a Pereira que ele próprio adquire e seleciona junto aos fazendeiros da região. Ditinho só utiliza madeira de árvores já caídas. Sua peça mais representativa é a botina caipira que se tornou sua marca registrada. Segundo o artista ela representa o trabalho, o homem do campo. Mas a primeira produzida por ele foi a escultura o padre e o índio (1974), a qual se encontra exposta em seu ateliê, mas não está à venda.

Ditinho Joana, botina, madeira. FOTO: Aman Morbeck.

Ditinho Joana, o padre e o índio, madeira. FOTO: Aman Morbeck.

Ditinho Joana, vinícola, madeira. FOTO: Aman Morbeck.

Ditinho Joana, o padre e o índio, madeira. FOTO: Álvaro Guerra.

Ditinho Joana. Reprodução fotográfica Governo do Estado de São Paulo.

As obras de Ditinho estão espalhadas em galerias de arte e em coleções particulares pelo Brasil e por outros países, como Itália, Alemanha e Suíça.

Contato:

Tel: (12) 3971-2579

Fonte:

- Blog do pau Veio (http://blogdapauveio.wordpress.com/). Acesso em 01 de março de 2011.

Algumas peças de Ditinho Joana. FOTO: Aman Morbeck

Ditinho Joana, pai carregando filho nas costas, madeira. FOTO: Aman Morbeck.

Ditinho Joana, botina, madeira. Reprodução fotográfica do blog Artesão Profissional (http://artesaoprofissional.elo7.com.br/).

Ditinho Joana, titulo desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica do blog Artesão Profissional (http://artesaoprofissional.elo7.com.br/).

Ditinho Joana, lavrador, madeira. Reprodução fotográfica do blog Artesão Profissional (http://artesaoprofissional.elo7.com.br/).

Ditinho Joana, lenhador, madeira. FOTO: Eduardo Lopes.

Ditinho Joana, sapateiro, madeira. FOTO: Álvaro Guerra.

Louco

2011-03-20T11:39:00.001-03:00

Boaventura da Silva Filho, mais conhecido como Louco, nasceu em 1932 em Cachoeira, cidade do Recôncavo Baiano, localizada a 120 km de Salvador. Louco e seu irmão Clóvis, conhecido como “maluco”, eram barbeiros. Numa época em que seu oficio de barbeiro não mais lhe estava rendendo como antes, resolveu complementar a renda da família fazendo cachimbos de madeira. Sua mulher Alice era a responsável por coletar galhos de cajazeiras para fabricação dos cachimbos. A idéia deu certo. Louco começou a fazer sucesso na cidade com seus cachimbos e se tornou um sucesso de vendas. Foi aí que ele decidiu partir para projetos maiores, entalhando portas e mesas e esculpindo peças de até dois metros, sempre em madeira de lei – jacarandá, viático, sucupira e jaqueira.

Boaventura da Silva Filho, o Louco. Foto autoria desconhecida.

Louco se dedicou à escultura por mais de trinta anos, período em que construiu uma vasta galeria de personagens que facilmente transitam entre o imaginário católico e a escultura afro-baiana; os próprios títulos de suas peças revelam essa duplicidade. Entretanto, apesar deste “transito” pelo catolicismo, seu estilo é bastante mais influenciado pelas raízes africanas. Exemplo disto é o seu Cristo apresentando feições negras e sua Ultima Ceia sendo sustentada por escravos negros.

Louco, Cristo, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro Leiloes.

Louco, Jesus e seus apóstolos, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro Leiloes.

Com o sucesso alcançado no mercado da arte, Louco pôde construir uma casa ampla na cidade de Cachoeira, onde funcionou seu ateliê e morou com a família. Com a mulher Alice, o artista teve nove filhos, dentre eles, quatro seguiram profissionalmente o mundo da arte da escultura: Celestino Silva - Louco Filho, Mario Silva - Mario Filho do Louco, João Silva - João Filho do Louco, José Silva - Zé Filho do Louco e a terceira geração com Wallace Silva - Neto do Louco e Leonardo Silva - Neto do Louco.

Louco, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro & Soraia Carls Leiloes.

Louco participou de várias exposições pelo mundo, dentre as mais importantes pode-se citar as exposições: O espírito criador do povo brasileiro (Brasília, 1972), Sete brasileiros e seu universo (Recife, 1974), 2º Festac de Lagos (Nigéria, 1977) e a mostra Brésil, arts populaires (França, 1987).

Louco faleceu em 1992, mas antes disso conseguiu firmar seu nome entre os grandes nomes da escultura brasileira do século XX.

Fonte:

Frota, L.C. Pequeno discionário da arte do povo brasileiro, século XX. Editora Aeroplano, Rio de Janeiro, 2005.

Louco, beato, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro Leiloes.

Louco, Cristo, madeira. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Louco, Espírito Santo, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro & Soraia Carls Leiloes.

Louco, homem batucando, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello & Giobbi Leiloes.

Louco, os oito profetas, madeira. Reproduçao fotográfica Evandro Carneiro Leiloes.

Miramar Borges

2011-03-12T19:39:00.003-03:00

Miramar Borges é um conhecido escultor mineiro nascido em 1951 em Cachoeira do Brumado, município de Mariana, Minas Gerais. Antes de ser escultor Miramar trabalhou na roça e também na produção de utensílios domésticos em pedra sabão, um trabalho bastante comum na região de Mariana. Em 1982 começou a esculpir em madeira e se tornou um dos principais artistas populares mineiros.

Miramar Borges. Reproduçao fotográfica Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

No começo Miramar fazia o que lhe encomendavam; era em sua grande maioria esculturas de bichos. Depois fez um presépio. Ele conta que aprendeu sua técnica sozinho, mas que recebeu muito apoio de Artur Pereira, um dos grandes mestres da escultura mineira, que também era de Cachoeira do Brumado e grande incentivador de muitos outros artistas da cidade. Ele veio ver, gostou e mandava as pessoas aqui, conta Miramar se referindo ao mestre. Foi Artur Pereira que incentivou Miramar a largar de vez o trabalho com pedra sabão para se dedicar à escultura em madeira.

Miramar Borges, coluna de bichos, madeira. FOTO: Ana Bratke.

Miramar Borges, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Galeria Pontes, Sao Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

Miramar Borges, paca, madeira. FOTO: Ana Bratke.

Miramar ficou famoso por suas enormes colunas esculpidas em madeira e totalmente vazadas. Os temas mais freqüentes de suas peças continuam sendo os bichos. Seus trabalhos alcançaram um considerável valor financeiro no mercado da arte e podem ser adquiridos em importantes galerias de cidades como Belo Horizonte, São Paulo e Rio de Janeiro.

Contato com Miramar Borges:

Rua Tambadouro, 452

Cachoeira do Brumado, Mariana-MG

Tel: (31)3556-1123

Fonte:

- Lima, Beth & Lima, Valfrido. Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

Miramar Borges, coluna de bichos, madeira. FOTO: Ana Bratke.

Miramar Borges, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Galeria Pontes, Sao Paulo, SP (www.galeriapontes.com.br).

Miramar Borges, coluna de bichos, madeira. FOTO: Ana Bratke.

Nicola

2011-03-11T10:31:00.003-03:00

Jaime Nicola de Oliveira, o Nicola, é um escultor pernambucano nascido no município de Quipapá. Escultor desde os dezessete anos se mudou para Jaboatão dos Guararapes, região metropolitana do Recife, onde mora atualmente. Nicola talha na madeira e na pedra calcaria vários tipos de figuras, embora os anjos e os santos sejam predominantes. Dono de apuro técnico e de grande sensibilidade artística, suas esculturas se espalharam pelo Brasil e pelo exterior. Atualmente suas peças fazem parte das exportações pernambucanas de cultura para os Estados Unidos e a Europa.

Nicola. FOTO: Liliane Medeiros

Além da madeira e da pedra calcaria, Nicola também utiliza outros materiais para produzir suas obras, como o granito, a pedra sabão, o concreto e o marfim. As peças do artista apresentam-se com uma forte influência da estética barroca. Para ele, as obras do mestre Aleijadinho representam uma fonte inesgotável de inspiração e admiração, daí sua preferência pela temática religiosa. Os anjos de Nicola são uma unanimidade e os pedidos não param de chegar de varias partes do mundo.

Nicola, Anjos, pedra calcaria. Reproduçao fotográfica site Nicolartes (www.nicolartes.net).

Nicola, Sagrada Família, pedra calcaria. Reproduçao fotográfica site Nicolartes (www.nicolartes.net).

Nicola, S. Pedro, madeira. Reproduçao fotográfica Mário Porto Artes.

Com seu trabalho Nicola foi premiado em várias exposições em que participou, dentre elas a 1ª Bienal de Artesanato do Nordeste. Suas obras fazem parte do acervo de importantes museus e coleções particulares pelo mundo.

Contato com Nicola:

Av. Comercial, 8383, Barra de Jangada

Jaboatão dos Guararapes, PE

Tel: (81) 3469-0421

Nicola, Anjo, pedra calcaria. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Nicola, Cabeça de homem, madeira. Reproduçao fotográfica Centurys Artes e Leiloes.

Nicola, Cabeça de homem, madeira. Reproduçao fotográfica Soraia Carls Leiloes.

Nicola, Cabeça de homem, madeira. Reproduçao fotográfica O Estado de Sao Paulo.

Nicola, Cabeça, madeira. Reproduçao fotográfica Soraia Carls Leiloes.

Nicola, Cristo, madeira. Reproduçao fotográfica Mário Porto Artes.

Nicola, Profeta, madeira. Reproduçao fotográfica Galeria M´Boitatá, Belo Horizonte, MG.

Nicola, Querumbim, madeira. Reproduçao fotográfica Mário Porto Artes.

Nicola, S. Sebastiao, madeira. Reproduçao fotográfica site Nicolartes (www.nicolartes.net).

Humberto de Araújo

2011-03-07T11:18:00.003-03:00

Humberto de Araújo é um famoso escultor mineiro nascido em Belo Horizonte em 1964. Ele é sobrinho do também escultor Maurino de Araújo. A vivência com o tio Maurino fez surgir o gosto e a admiração pela escultura, cujo primeiro contato ocorreu quando ele tinha apenas dez anos de idade. Formou-se em engenharia civil, mas exerceu a profissão por apenas três anos, quando passou a se dedicar apenas à arte da escultura. Para Humberto, o fato de ter trabalhado como engenheiro civil o ajudou muito a se firmar com artista. A engenharia também é arte, requer criatividade; trabalha-se com formas, que é uma questão bastante presente em minhas esculturas, diz.

Humberto de Araújo. Reproduçao fotográfica "Em nome do autor", Proposta Editorial, Sao Paulo, 2008.

Apesar de ter sido influenciado pelo mestre Maurino, Humberto imprimiu um estilo próprio à sua obra. Suas peças normalmente apresentam cores fortes e vibrantes e algumas delas são articuladas. Ele conta que as peças articuladas surgiram numa época em que faltavam toras de madeira no mercado. Ele somente encontrava madeira beneficiada, por isso começou a juntar os pedaços. O resultado agradou e acabou se tornando uma das suas marcas registradas.

Humberto de Araújo, cabeças, madeira. Reproduçao fotográfica Blog Humberto Escultor.

Humberto de Araújo, damas da noite, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, mineiridade, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, Nossa Senhora com menino, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo cria personagens de problemas sociais e culturais, mitológicos, bíblicos, dentre outros. O artista participou de inúmeras exposições pelo Brasil. Ele mora em Belo Horizonte, onde mantém um ateliê.

Contato com Humberto de Araújo:

Av. Edgar Torres, 933

Parque São Pedro, Belo Horizonte, MG

Tel: (31) 3451-6081

Email: araujohum@gmail.com

Humberto de Araújo, os músicos, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, Pietá, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, triunfo de S. Jorge, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Blog Humberto Escultor.

Humberto de Araújo, S. Francisco, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, S. Francisco e o mendigo, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Humberto de Araújo, Santa Maria, madeira policromada. Reproduçao fotográfica Galeria Errol Flynn, Belo Horizonte, MG.

Zé do Carmo

2011-02-26T11:27:00.002-03:00

José do Carmo Souza, o Zé do Carmo, nasceu no dia 19 de dezembro de 1933, em Goiana, Pernambuco. Começou a trabalhar com o barro em 1940 quando tinha apenas 7 anos de idade. Iniciou fazendo figurinhas de barro pintadas com tinta d´água, as quais levava para vender na feira de Goiana junto com as que produziam seus pais, Joana Izabel de Assunção e Manuel de Souza, que também eram artesãos. Dona Joana trabalhava com o barro e com tecido e Seu Manuel fazia máscaras em papel machê para vender aos foliões durante o carnaval. Com os pais o artista aprendeu e desenvolveu o seu ofício, mas se valeu também da observação e do autodidatismo para aperfeiçoar sua técnica e dar vazão às suas invenções. Zé do Carmo passou a ser conhecido no circuito artístico a partir de 1947. Hoje ele possui um respeitado conjunto de esculturas de cerâmica que se destacam por vários aspectos, dentre eles a originalidade. Suas peças são apreciadas em vários estados brasileiros e também em outros países.

Zé do Carmo. FOTO: Alexandre Veloso.

No início da carreira de artista, Zé do Carmo copiava o estilo da mãe, esculpindo figuras de santos, anjos, agricultores, mendigos, carregadores de açúcar, jornaleiros, tocadores de bandolim, apanhadores de papel, dentre outras. Com a morte de Dona Joana em 1972, Zé do Carmo inaugurou uma nova fase de sua obra que chamou de “transfiguração humana”. Seus anjos se transformaram em cangaceiros; além das asas, passaram a carregar também espingarda, bornal e chapéu de couro. Dona Joana que era católica fervorosa o proibia de fazer imagens profanas. Segundo Zé do Carmo, (…) em vez de tocar harpa e lira, meus anjos tocam instrumentos do Nordeste, vestem bata do beato do sertão e têm cara de gente (…). Em 1980, durante a visita ao Recife do então Papa João Paulo II, e a pedido de Dom Hélder Câmara, criou uma escultura para ser presenteada ao Papa. Mas Dom Hélder não aprovou a escultura de um anjo com cara de cangaceiro, dizendo que aquela imagem era profana. A peça foi vetada e nunca chegou às mãos do Papa; hoje ela se encontra exposta no ateliê do artista em Goiana. Outra peça vetada pela igreja foi um Papai Noel Nordestino, de gibão, chinelo de couro e chapéu de couro, o Vovô Natalino. Isto fez o sociólogo e escritor pernambucano Gilberto Freyre escrever um artigo para o Diário de Pernambuco louvando o “bom e bravo repúdio ao Papanoelismo”.

Zé do Carmo, anjo cangaceiro, cerâmica (peça que seria presenteada ao Papa Joao Paulo II). FOTO: Alexandre Veloso.

Zé do Carmo, vovô natalino, cerâmica. FOTO: Alexandre Veloso.

Zé do Carmo em seu ateliê, Goiana, PE. FOTO: Alexandre Veloso.

Zé do Carmo durante muito tempo deu aulas de modelagem com barro, além de ter trabalhado também com escultura de pedra. Segundo o artista, seus primeiros trabalhos eram muito populares, mas depois conseguiu fazer esculturas com proporções acadêmicas. Atualmente Zé do Carmo se dedica à pintura, mas do que à escultura. Desde pequeno, o desenho e a pintura sempre foram suas grandes paixões. O tema preferido das telas é o mesmo da escultura, ou seja, o anjo cangaceiro.

Zé do Carmo, anjo lampiao, acrílica s/ tela. Reproduçao fotográfica Galeria Brasiliana, Sao Paulo, SP (www.galeriabrasiliana.com.br).

Zé do Carmo, anjo cangaceiro, acrílica s/ tela. Reproduçao fotográfica Galeria Brasiliana, Sao Paulo, SP (www.galeriabrasiliana.com.br).

Zé do Carmo foi condecorado com o título de Patrimônio Vivo de Pernambuco, através da Lei estadual nº 12.196 de 2 de maio de 2002.

Contato com Zé do Carmo:

Rua Padre Batalha, 103, Centro

Goiana, PE

Tel: 3626-0171

Fontes consultadas:

- GASPAR, Lúcia. Zé do Carmo (ceramista e pintor). Pesquisa Escolar On-Line, Fundação Joaquim Nabuco, Recife. Disponível em: <http://www.fundaj.gov.br>. Acesso em: 20/02/2011.

- Amorim, Maria Alice. Cartilha Patrimônios Vivos de Pernambuco. FUDARPE, Governo de Pernambuco, Recife, 2010.

Zé do Carmo, título desconhecido, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Zé do Carmo, anjo cangaceiro, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Zé do Carmo, anjo nordestino musicista, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Zé do Carmo, Nossa Senhora da Conceiçao, cerâmica. Reproduçao fotográfica Ceramica no Rio (www.ceramicanorio.com.br).

Zé do Carmo, anjo da cuíca, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Zé do Carmo, título desconhecido, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Dim

2011-02-25T12:18:00.002-03:00

Antonio Jader Pereira dos Santos, o Dim, é um artista brincante cearense. Ele nasceu em 27 de fevereiro de 1967 na cidade de Camucim, extremo norte do Ceará, mas hoje mora na cidade de Pindoretama, distante 60 km da capital, Fortaleza. O apelido que hoje ele usa como nome artístico surgiu de uma brincadeira do pai; Jader se tranformou em Jadinho, depois Dinho e, por fim, Dim. O artista cresceu na periferia de Camucim no meio de uma família de sete irmãos. Era um lugar de muita festa e de muita brincadeira, o que certamente despertou o artista que ele viria a se tornar.

Dim. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Ainda menino, Dim usava ferramentas de carpinteiro para fazer brinquedos de madeira, inspirados nos que a avó trazia das romarias de Canindé e de Juazeiro do Norte. Eram bonecos articulados, carrinhos, barquinhos, dentre outros. Ele era um menino muito atento ao que acontecia ao seu redor, tudo lhe chamava a atenção. Em casa, orientado por sua mãe, Dona Dodô, ele confeccionava coroa de flores para serem vendidas no dia de finados na cidade. Começou a trabalhar desde muito cedo. A casa da avó era outro lugar inspirador para Dim. Ali havia um galpão e uns teares onde ela fazia redes de tucum. Dim ajudava a tingir e a estender as cordas. Neste ambiente, em meio ao trabalho e as historias contadas pelas pessoas que freqüentava o lugar, Dim foi apurando o olhar com a imaginação. Com a chegada da luz elétrica ao bairro do Cruzeiro veio a televisão e o primeiro contato com o mundo imaginário dos filmes e dos desenhos animados. Associado a isso, as atividades artesanais realizadas em família dava concretude às imaginações do ainda menino. Por ser um menino “diferente” do padrão de crianças do bairro, Dim foi muitas vezes tachado de louco, era o “louco do Cruzeiro”.

Dim, caixa de dança. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, galo azul. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, carrossel com manivela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, caixa de ciranda com manivela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

A mudança da condição de “louco” para a de artista ocorreu na adolescência sob a influência de um artista chamado Batista Sena, que acabava de fundar em Camucim um espaço cultural. Dim se tornou seu assistente. Neste espaço Dim compreendeu-se como criador. Nos anos 80 Dim se mudou para Fortaleza para trabalhar em um projeto do Cirque Catholique de France, destinado a profissionalizar meninos de rua. Esse trabalho deu nova dimensão ao trabalho de fabricar brinquedos. O brinquedo se tornou para Dim um objeto de registro dos modos de vida inacessíveis aos meninos do projeto.

Dim, bate-pilão. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Depois de uma temporada na Argentina, Dim retornou a Camucim e ali fundou um espaço destinado à sua criação. Pesquisou vários movimentos populares, como o boi e o reisado, e criou um grupo de brincantes chamado Guerreiros do Boqueirão e Banda da Lua. Com o grupo participou de filmes, trabalhando também como cenógrafo. Tempos depois foi contratado por um programa oficial destinado ao trabalho com design artesanal, mas ficou pouco tempo. Cada vez mais convicto do rumo que daria á sua obra, Dim se distanciou das instituições, evitando a visão funcional do artesanato e da arte. Seus brinquedos foram ganhando um acabamento mais refinado. Do tradicional rói-rói aos helicópteros, passando pelas telas, todos passaram a receber um acabamento de peça artística. Foram brinquedos que viraram arte, que viraram brinquedo.

Dim, pratista de impulso. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Além dos brinquedos, Dim também produz telas. Ambos são pintados em acrílica e com cores fortes e vibrantes. Representam uma releitura dos brinquedos populares, segundo o olhar do artista.

Dim, trapezista, acrílica s/ tela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, passando das nuvens, acrílica s/ tela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, cajus, acrílica s/ tela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, fotografando, acrílica s/ tela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim participou de várias exposições pelo Brasil. Sua obra pode ser encontrada em seu ateliê em Pindoretama-CE, no Museu do Folclore Edison Carneiro (Rio de Janeiro, RJ), no Espaço Imaginário (São Paulo, SP) e no Centro Cultural Dragão do Mar (Fortaleza, CE).

Contato com Dim:

Tel: (85) 8705-1956

Email: brinquedim@yahoo.com.br

Fonte:

- Dim: as artes de um brincante. Catálogo da exposição realizada pelo Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janiero, RJ, 1999.

Dim, carrossel com manivela. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, Joões teimosos. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, caixa com borboleta. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Dim, passaros comendo. Reprodução fotográfica Galeria do Dim (Picasaweb).

Marcos de Nuca

2011-02-20T14:58:00.004-03:00

Marcos Borges da Silva, o Marcos de Nuca, nasceu em Tracunhaém, Pernambuco. Ele é filho do mestre Nuca de Tracunhaém e um dos herdeiros de sua obra. Depois que o mestre Nuca ficou impossibilitado de trabalhar por conta de um acidente vascular cerebral, Marcos (o primogênito) e seu irmão Guilherme ficaram responsáveis por dar continuidade à obra do pai.

Marcos de Nuca. FOTO: Portal do Artesanato Pernambucano.

Marcos iniciou sua vida de artista ao lado do pai quando tinha apenas 12 anos de idade. Aprendi muitas coisas com ele e com a minha mãe, Maria de Nuca. Ela quem inventou os cabelos cacheados dos leões e mandou meu pai fazer. Essa obra acabou ficando conhecida no mundo todo, conta Marcos. Inspirado no estilo do pai criou peças próprias, como os leões em pé e sentado, galinhas, peixes e jarros com cara de leão. A gente está continuando, diz Marcos. Os Leões, obras conhecidas e vendidas em todo Brasil, apresentam características como: cacheados, escamas, tranças e listas. Segundo Marcos, os detalhes acentuam a beleza das peças.

Marcos (direita) ao lado do seu pai, Mestre Nuca. Reprodução fotográfica Banco Real.

Marcos de Nuca, leao, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Marcos de Nuca, galinha, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Contato com Marcos de Nuca:

Rua Manoel Pereira de Moraes, 110 - Centro- Tracunhaém

Tel: (81)3646-1478.

Marcos de Nuca, leao, cerâmica. FOTO: Ana Bratke.

Marcos de Nuca, leao, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Marcos de Nuca, leao, cerâmica (direita). Marcos trabalhando com o barro (esquerda). Reproduçao fotográfica Cartilha "Patrimonio Vivos de Pernambuco".

Marcos de Nuca, várias peças, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Seu Elias

2011-02-19T17:27:00.002-03:00

Elias Francisco dos Santos, o Seu Elias, nasceu em 1924 em Caruaru. Pertencente a uma família que ajudou a fundar a comunidade do Alto do Moura, ele é considerado o primeiro discípulo de Vitalino; começou a trabalhar com o barro quando tinha apenas 10 anos de idade. Depois de trabalhar durante grande parte de sua juventude na arte figurativa, abandonou o oficio e se mudou para o Recife. Depois de aposentado retornou ao Alto do Moura onde se encontra em plena atividade aos 86 anos de idade.

Seu Elias segurando um S. Jorge, uma de suas peças mais representativas. Reproduçao fotográfica Portal G1.

No começo os trabalhos de Seu Elias eram praticamente cópia das peças do mestre Vitalino e dos demais artesãos do Alto do Moura que também copiavam o mestre. Ainda hoje uma boa parte das peças produzidas por Seu Elias se confunde com as demais produzidas por outros artesãos. Porém, existem algumas peças criadas por ele que facilmente o identificam, são elas: o São Jorge, o pavão e alguns animais, como o boi, o jumento, o carneiro e o bode. Os animais de Seu Elias são bastante diferentes daqueles produzidos pelos demais artesãos do Alto do Moura, parecem de verdade. Eu adoro fazer animais. Eles são a marca do meu trabalho, diz Seu Elias. O São Jorge é outra imagem que o artista tem grande apego e admiração; são necessários quatro dias de dedicação para terminá-la. Segundo ele a perfeição da peça é o que interessa. Primeiro eu faço o São Jorge e o cavalo e depois coloco em cima do dragão. Aí, fico ajeitando até ficar do jeito que eu quero, conta Seu Elias.

Seu Elias, S. Jorge, cerâmica. Reproduçao fotográfica Cerâmica no Rio (www.ceramicanorio.com.br).

Seu Elias, Pavao, cerâmica. Reproduçao fotográfica Cerâmica no Rio (www.ceramicanorio.com.br).

Seu Elias, jumento, bode e carneiro, cerâmica. Reproduçao fotográfica Cerâmica no Rio (www.ceramicanorio.com.br).

Seu Elias tem uma loja/ateliê na principal rua do Alto do Moura, A Rua Mestre Vitalino. Em frente à loja um cavalo esculpido em tamanho real denuncia sua preferência e admiração pelos animais.

Contato com Seu Elias:

Rua Mestre Vitalino 463-Alto do Moura

Caruaru-PE

55040-010

Tel: (81) 3722 0361

Seu Elias, Pavao, cerâmica. Reproduçao fotográfica Cerâmica no Rio (www.ceramicanorio.com.br).

Marcos Siqueira

2011-02-18T11:50:00.004-03:00

Marcos Antonio Gomes de Siquiera nasceu em Garanhuns, Pernambuco. Antes de se tornar artista trabalhou durante 15 anos como pintor de letreiros. Já como artista, fazia escultura de cimento, mas em uma feira de artesanato no Recife, ficou encantado com o trabalho do Mestre Ademar da cidade de Jupí, Pernambuco. Fiquei seduzido e começei a esculpir em madeira, conta Marcos.

Marcos Siqueira. FOTO: Andrica Costa.

O trabalho de Marcos com a madeira começou através da arte sacra, certamente sob a influência da obra do Mestre Ademar. Com o passar do tempo essa arte sacra foi ganhando estilo próprio, ao mesmo tempo em que outros temas foram sendo adicionados à obra do artista. Marcos conta que seu trabalho atual é construído a partir da valorização dos elementos da cultura popular. Suas esculturas têm um estilo próprio que já num primeiro olhar o identifica. Além dos anjos e santos, cangaceiros, pescadores, vaqueiros, agricultores são figuras facilmente encontradas na obra de Marcos Siqueira. Ele diz que por muito tempo, seu carro chefe foi a boneca de roca; atualmente é difícil dizer qual a peça que melhor o representa.

Marcos Siqueira, agricultora, madeira. Reprodução fotográfica Portal do Artesanato Pernambucano.

Contato com Marcos Siquiera:

Rua Padre Adriano Back, 239.

Heliopolis- Garanhuns-PE

Email: marcossiqueiraartes@ig.com.br

Tel: (87) 9924-0943

Marcos Siqueira, boneca de roca, madeira. Reprodução fotográfica Portal do Artesanato Pernambucano.

Marcos Siqueira, título desconhecido, madeira. Reprodução fotográfica autoria desconhecida.

Noemisa

2011-02-15T19:50:00.008-03:00

Noemisa Batista dos Santos é uma das mais conhecidas ceramistas do Vale do Jequitinhonha, Minas Gerais. Ela juntamente com outros nomes como, Isabel Mendes da Cunha e Ulisses Pereira Chaves são responsáveis pela enorme projeção nacional e internacional da arte do Vale do Jequitinhonha, alguns autores chegam a considerá-la uma espécie de mestre Vitalino de Minas Gerais. Noemisa nasceu em 1947 em Ribeirão do Capivara, Município de Caraí, Minas Gerais. Filha de um lavrador e de uma respeitada ceramista, Joana Gomes dos Santos, Noemisa aprendeu sua arte com a mãe, quando tinha apenas sete anos. Apesar de sua mãe trabalhar com cerâmica utilitária, Noemisa nunca gostou de fazer panelas, potes ou jarras; desde muito pequena gostava de criar pequenos animais de barro para suas brincadeiras. Noemisa se tornou um dos mais requisitados nomes da arte figurativa do Vale do Jequitinhonha; ainda na década de 70 seu trabalho já era exposto no Brasil e no exterior e fazia parte do acervo de museus e de importantes coleções particulares.

Noemisa. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

O barro usado por Noemisa é o mesmo utilizado pelos demais ceramistas de Caraí. De coloração rosa, vermelha e branca, o barro é extraído da fazenda Senhor Serafim; sua irmã Santa é a responsável pela extração. O preparo do barro e as técnicas utilizadas foram provavelmente aprendidos com os nativos da região e são os mesmos utilizados pelos demais artesãos. O barro depois de extraído e seco ao sol é triturado e pulverizado. Depois de misturado com água é armazenado em locais escuros e sem ventilação até ser usado na modelagem. Concluída a modelagem, as peças são pintadas e decoradas usando sempre a técnica do engobe nas cores vermelha e branca. Os temas dos decorados são quase sempre motivos florais ou figuras de animais.

A temática do universo artístico de Noemisa é bastante diversificada: vai das cenas cotidianas à arte religiosa. Ritos religiosos, como casamentos, batizados e funerais, igrejas e santuários são temas sempre presentes na sua obra. As “mulheres de Noemisa” são mostradas em atividades consideradas como respeitosas e necessárias. Elas normalmente usam vestidos estampados e assessórios como brincos, sapatos e bolsas. Os homens, normalmente em poses viris usam chapéu, relógio, botas e esporas. São mostrados como caçadores, soldados ou médicos. Noemisa também cria uma variedade enorme de animais, como bois, cavalos e cachorros.

Noemisa, casamento, cerâmica policromada. FOTO: Liana Caldeira.

Noemisa, ceramista, cerâmica policromada. FOTO: Ana Bratke.

Noemisa, caçador, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica Iandé - Casa das Culturas Indígenas (São Paulo, SP) - www.iande.art.br

Noemisa, coelho, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica Iandé - Casa das Culturas Indígenas (São Paulo, SP) - www.iande.art.br

Apesar de os trabalhos de Noemisa terem alcançado um alto preço no mercado, ela continua vivendo precariamente; quem lucra com seus trabalhos são os intermediários. Ela conta que pelo fato de ser analfabeta, não soube administrar com eficiência uma das melhores fases de sua produção, a década de 80, quando vendeu muitas peças para a CODEVALE. Ela continua produzindo, mas não com a mesma intensidade de antes.

Noemisa, mulher, cerâmica policromada. FOTO: Liana Caldeira.

Dentre as exposições mais importantes que participou pode-se citar a exposição Brésil Arts Populaires (Paris, 1987) e a Mostra do Redescobrimento (São Paulo, 2000). Importantes museus como o Museu Casa do Pontal (Rio de Janeiro, RJ), o Museu de Folclore Edison Carneiro (Rio de Janeiro, RJ) e o Centro Cultural de São Francisco (João Pessoa, PB) possuem em seus acervos obras de Noemisa.

Contato com Noemisa:

Ribeirão do Vale, Caraí-MG

CEP: 39810-000

Contato em Caraí: (33) 3531-1701 (Elza).

Fonte:

- Dalglish, Lalada. Noivas da Seca: Cerâmica popular do Vale do Jequitinhonha, 2a Ed. - Sao Paulo: Editora UNESP, Imprensa Oficial do Estado de Sao Paulo, 2008.

- Lima, Beth & Lima, Valfrido. Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

Noemisa, casamento, cerâmica policromada. FOTO: Liana Caldeira.

Noemisa, mãe com filho no colo, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica Iandé - Casa das Culturas Indígenas (São Paulo, SP) - www.iande.art.br

Noemisa, carro de boi, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica Iandé - Casa das Culturas Indígenas (São Paulo, SP) - www.iande.art.br

Noemisa, tatu, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica Iandé - Casa das Culturas Indígenas (São Paulo, SP) - www.iande.art.br

Noemisa, figuras de mulheres e homens, cerâmica policromada. FOTO: Ana Bratke

Noemisa, casamento, cerâmica policromada. FOTO: Cláudio Zeiger.

Noemisa, cachorro caçador, cerâmica policromada. FOTO: Cláudio Zeiger.

Waldomiro de Deus

2011-02-12T13:20:00.003-03:00

Waldomiro de Deus é um reconhecido pintor primitivista brasileiro. Ele nasceu no dia 12 de junho de 1944 em Itajibá, Bahia. Aos 12 anos fugiu de sua cidade natal e começou a percorrer o Brasil. Foi de carona em um pau-de-arara que ele chegou a São Paulo em 1958. Foi morador de rua, dormia nos bancos das praças, até que um policial da guarda civil o levou para a casa dele em Osasco. Em São Paulo seu primeiro trabalho foi como engraxate. Sua primeira obra de arte foi uma escultura de barro em que mostrava uma santa em trajes modernos, a qual gerou muita polêmica. Waldomiro também morou no interior de São Paulo, mas retornou a Osasco quando tinha 17 anos. De volta à capital, conseguiu emprego em uma casa como jardineiro. "No fundo da casa, encontrei tintas, pincéis e cartolina. Comecei a pintar de noite e a dormir durante o serviço", conta Waldomiro. Ele foi demitido, mas conta que foi um período em que produziu muito.

Waldomiro de Deus. Reproduçao fotográfica Blog do Thame.

Desempregado, pegou algumas cartolinas que havia desenhado e foi para o Viaduto do Chá. Conseguiu vender duas delas para um americano, obtendo dinheiro suficiente para alugar um quarto para dormir. Começou assim uma carreira como pintor que decolou de fato quando encontrou o que ele chama de "primeiro anjo da minha vida": o Marquês Terry Della Stuffa. "Ele me deu roupas, espaço para pintar e tintas a óleo", diz.

Waldomiro de Deus, S. Sebastiao, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Reconhecido como um dos principais pintores naïfs brasileiros, Waldomiro recebeu numerosos elogios de críticos nacionais e internacionais. Suas cores, seus temas, sua simbologia, sua personalidade e religiosidade se entrelaçam e se confundem. Sem escolher tema, tem no cotidiano sua grande matéria, mas também pinta o que não vê, como planetas ainda não conhecidos pela ciência e mesmo astronautas brasileiros na Lua. O pintor mora hoje em São Paulo e tem atelier também em Goiânia. Casado, com seis filhos, já pintou mais de 2 mil obras sobre folclore, céu, inferno, planetas e situações do cotidiano, espalhadas por colecionadores e museus de todo o mundo.

Waldomiro de Deus, pássaros e frutos, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro já expôs suas pinturas em diversos países como França, Itália e Israel. Foi premiado em 1983 com a Awarding the Statue of Victory pelo Centro Studi e Ricerche Delle Nazioni e em 2000 teve uma sala própria na Quinta Bienal Naifs do Brasil. Waldomiro de Deus possui obras em acervos importantes, como os da Pinacoteca do Estado (São Paulo, SP) e o do Museu de Arte Contemporânea de São Paulo (MAC-USP), no Brasil e na Galeria Nacional de Bolonha, na Itália.

Contato com Waldomiro:

Tel: (11) 3895-1041, (11) 9248-0603.

Fonte:

- Site do artista (http://waldomirodedeus1.tempsite.ws), acesso em 01 de fevereiro de 2011.

Waldomiro de Deus, a queda da inflaçao, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro de Deus, papo de bar, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro de Deus, patriota fracassado, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro de Deus, rumo à caminhada, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro de Deus, turbulência, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Waldomiro de Deus, última gota, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Agnaldo dos Santos

2011-02-06T14:00:00.003-03:00

Agnaldo Manuel dos Santos foi um grande escultor baiano que teve sua obra considerada como uma continuidade no Brasil da escultura africana. Ele nasceu em 1926 na Ilha de Itaparica e faleceu em Salvador em 1962, aos 35 anos. Antes de ser artista Agnaldo trabalhou como lenhador e fabricante de cal. O primeiro contato com o mundo artístico se estabeleceu quando ele foi contratado como ajudante e aprendiz no ateliê do artista soteropolitano Mário Cravo Jr. Trabalhando com Mario teve acesso aos materiais e técnicas usados pelo artista, assim como às fontes de inspiração da arte africana. Agnaldo iniciou-se na escultura incentivado por várias pessoas como Wilson Cunha, Pierre Verger, José Valladares e Lênio Braga.

Agnaldo dos Santos. Reproduçao fotográfica. FOTO: autoria desconhecida.

A obra de Agnaldo é essencialmente produzida a partir da madeira e é de natureza antropomórfica. Suas peças são marcadas por uma grande variedade temática: vai da religiosidade afro-brasileira aos temas católicos, embora tenha a África como tema sempre presente em cada uma das suas peças. Por outro lado, a arte de Agnaldo difere da africana por diversas razões. Segundo o escritor, pesquisador e crítico de arte Clarival do Prado Valadares (1918-1923), a obra de Agnaldo "não pode ser entendida como filiação a uma determinada estilística regional africana: Agnaldo era senhor de meios expressionistas de absoluta originalidade". Agnaldo possuía um estilo único e característico; ele não obedecia ao estilismo de qualquer sociedade africana, ele criou um estilo próprio.

Agnaldo dos Santos, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Escritório de Arte.

Em 1957 participou da IV Bienal de São Paulo, ano em que montou sua primeira individual, na Petit Galerie, Rio de Janeiro. Em 1959 e 1961, participou do Salão Nacional de Arte Moderna. Sua obra integra o acervo do Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro, RJ) e de diversos outros museus brasileiros. Em 1987, sua obra esteve presente na mostra Brésil Arts Populaires (Paris - França).

Agnaldo dos Santos, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica BAHIAFLANEUR.

Agnaldo dos Santos, mae e filho, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Agnaldo dos Santos, máscara, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Agnaldo dos Santos, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Agnaldo dos Santos, título desconhecido, madeira. Reproduçao fotográfica Portal Artes.

Mestre Expedito

2011-01-31T12:01:00.004-03:00

Expedito Antonino do Santos nasceu na cidade piauiense de Domingos Mourão em 1932. Ele é um dos mais importantes representantes da arte santeira do Piauí que tem o mestre Dezinho (José Alves de Oliveira, Valencia-PI, 1916) como seu maior expoente. Mestre Expedito aprendeu sua arte trabalhando como marceneiro na cidade onde nasceu. Antes foi pedreiro, carpinteiro, sapateiro, ferreiro e fabricante de instrumentos musicais. Sua projeção com artista escultor aconteceu quando ele, incentivado pelo prefeito de sua cidade, participou em Teresina de uma feira de arte popular organizada pelo Governo do Estado do Piauí. Mestre Expedito recebeu o primeiro lugar. Depois do sucesso alcançado, mudou-se com sua família para Teresina, onde mora desde 1969. Em Teresina, Mestre Expedito desenvolveu ainda mais o seu trabalho, esculpindo peças maiores e de maior valor, inclusive para igreja de Nossa Senhora de Lourdes (A igreja de Nossa Senhora de Lourdes ou Igreja da Vermelha em Teresina reúne uma série de obras do Mestre Dezinho e é considerada uma de suas obras primas). Mestre Expedito foi contemporâneo e trabalhou com o mestre Dezinho na igreja da Vermelha, sendo de sua autoria as molduras da Via-Sacra, uma pia batismal e uma estante trabalhada em altos e baixos relevos.

Mestre Expedito. FOTO: Elaine de Moura.

Completamente voltado para a arte santeira, esculpe santos, anjos e reproduz cenas bíblicas, como Adão e Eva no Paraíso. Após ter conhecido a obra do Aleijadinho, Mestre Expedito passou a imprimir um estilo primitivo ao seu trabalho, mais próximo do barroco, isto é, mais próximo das feições naturais do corpo. Suas obras também incorporam fortes elementos estéticos regionais; influência da obra de outro mestre, o mestre Dezinho. Pelo trabalho realizado ao longo dos anos, o artista ganhou grande notoriedade no Brasil e no exterior, sendo considerado um dos mais expressivos santeiros em atividade no país. Mestre Expedito recebeu vários prêmios no Brasil e também no exterior.

Mestre Expedito, Sagrada Família, madeira. FOTO: Alessandro Gomes.

Mestre Expedito, Nossa Senhora da Glória, madeira. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Mestre Expedito, S. Francisco, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Assim como o mestre Dezinho, a arte do Mestre Expedito exerce grande influência na geração mais nova de escultores que surge em Teresina. O mais importante, é que essa geração de artistas não se deteve em imitar o trabalho dos dois mestres. Com muita criatividade desenvolveram um estilo próprio que é muito admirado pelo Brasil e que tem contribuído para consolidar ainda mais a imagem do Piauí com a arte santeira.

Mestre Expedito, S. Miguel Arcanjo, madeira. Reproduçao fotográfica Francisco Nunes Leiloes.

Mestre Expedito diz ter feito mais de dez mil esculturas, especialmente São Francisco, Nossa Senhora da Conceição, Santo Antônio e anjos, sendo que muitas delas estão em cerca de 50 igrejas no Piauí, no Rio de Janeiro, e em outros países, como o Chile. Mestre Expedito se sente honrado pelo fato de as mesmas serem adoradas pelos fiéis.

Mestre Expedito, Sagrada Família, madeira. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Em 2005, Mestre expedito foi condecorado com a Medalha do Mérito Renascença do Piauí, maior comenda concedida pelo Governo daquele Estado.

Fonte:

- Catalogo da exposição “Arte em madeira do Piauí: santos e sertões do imaginário”, Sala do Artista Popular, do Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro, 2010.

Mestre Expedito, Anjo, madeira. Reproduçao fotográfica Mario Porto Artes.

Mestre Expedito, S. Francisco, madeira. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Mestre Expedito, Nossa Senhora da Glória, madeira. Reproduçao fotográfica Mário Porto Artes.

Mestre Expedito, Presépio. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Mestre Expedito, Cabeças, madeira. Reproduçao fotográfica Mário Porto Artes.

Mestre Expedito, Sagrada Família, madeira. Reproduçao fotográfica Blog Maria de Barro.

Geraldo Dantas

2011-01-29T14:12:00.003-03:00

Geraldo Dantas de Melo é um dos mais conhecidos escultores alagoanos. Ele nasceu em 1967 no município de Arapiraca. Filho de agricultores começou a trabalhar cedo na cultura do fumo (Uma das principais atividades econômicas de Arapiraca é o cultivo do fumo, razão pela qual a cidade é conhecida como a capital do fumo). Na infância uma de suas brincadeiras prediletas era criar pequenas figuras de madeira esculpidas com lamina de barbear; eram os primeiros indícios do artista que viria a se tornar. Ele conta que foi incentivado e orientado pelo artista arapiraquense Zezito Guedes (José Gomes Pereira), mas que não precisou copiar nada dele porque encontrou seu estilo próprio. A mãe de Geraldo, dona Zumira Dantas, estimulada pelo ofício do filho, também se tornou artista e, como o filho, também esculpe a madeira. A família continua morando na zona rural do município de Arapiraca.

Geraldo Dantas. FOTO: Pablo de Luca

As obras de Geraldo Dantas são marcadas pela originalidade e beleza estética; seu traço é forte e as cores que usa em algumas das peças também o são. Mesmo tendo enfrentado problemas psiquiátricos, Geraldo nunca parou de trabalhar, embora tenham perdido um pouco da qualidade técnica expressada anteriormente no contorno de suas peças. Algumas delas revelam um forte aspecto do barroco, como o rebuscamento das figuras e os dilemas existenciais: paraíso e inferno, terra e céu, razão e loucura. Seus anjos e santos têm expressões enigmáticas, algumas vezes sombrias, o que causa, além de admiração, uma certa estranheza em que os vê. Do imaginário de santos, o artista se voltou também para os temas da natureza, representando em suas esculturas animais, árvores e flores.

Geraldo Dantas, S. Sebastiao, madeira. Reproduçao Fotográfica Galeria Karandash, Maceió-Al.

Geraldo Dantas, Anjo, madeira. Reproduçao Fotográfica autoria desconhecida.

Geraldo Dantas, menino nu, madeira. Coleçao particular Tânia de Maya Pedrosa. FOTO: Pablo de Luca.

Geraldo Dantas, totem, madeira. Coleçao particular Tânia de Maya Pedrosa. FOTO: Pablo de Luca.

Geraldo Dantas é figura carimbada em publicações especializadas de arte popular brasileira. O artista ganhou ao longo dos anos grande notoriedade no cenário artístico do país. Expôs seu trabalho em várias cidades brasileiras, como Maceió, Rio de Janeiro e São Paulo, e também no exterior (Paris, França). Seus trabalhos podem ser encontrados em galerias e museus de Maceió, São Paulo, Belo Horizonte e do Rio de Janeiro.

Geraldo Dantas, casal, madeira. Coleçao particular Tânia de Maya Pedrosa. FOTO: Pablo de Luca.

Contato com Geraldo Dantas (contato: Zezito Guedes):

Rua Vigário Rodrigues Silva, 58, Bairro Planalto,

57308-080 Arapiraca-AL

Tel: (82) 3521-5692.

Fonte:

- Frota, LC. Pequeno Dicionário da Arte do Povo Brasileiro – Século XX. Aeroplano Editora, Rio de Janeiro, 2005.

- Lima, Beth & Lima, Valfrido. Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

Geraldo Dantas, paraíso, madeira. Coleçao particular Tânia de Maya Pedrosa. FOTO: Pablo de Luca.

Geraldo Dantas, anjo, madeira. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Geraldo Dantas, homem segurando mulher, madeira. Reproduçao Fotográfica Galeria Karandash, Maceió-Al.

Geraldo Dantas, título desconhecido, madeira. Reproduçao Fotográfica Galeria Karandash, Maceió-Al.

Alex Botega

2011-01-27T22:16:00.003-03:00

Alex Botega nasceu no dia 19 de novembro de 1968 em Itapaci, no Vale do São Patrício, Goiás. Artista com formação acadêmica iniciou seus estudos na Escola de Arte Osvaldo Verano em Anápolis. Atualmente vive em Pirenópolis, onde mantém seu ateliê.

Alex Botega. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/)

O trabalho de Botega é inspirado nos costumes e na cultura do povo goiano. Suas obras são realizadas de forma primitiva, uma opção do artista que une a tradição e a técnica dos paneleiros com a liberdade da forma expressa em sua arte. São peças com cores fortes e vibrantes que transmitem alegria, beleza e simplicidade. São mulheres com vestidos de chita colorida, algumas delas debruçadas na janela (as namoradeiras goianas), carros de boi e figuras e personagens do imaginário do artista.

Alex Botega, Mascarado, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, Áurea, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, carro de boi, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, título desconhecido, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

O trabalho de Botega já foi exposto em várias cidades brasileiras como Anápolis, Goiânia e Brasília. Representou a Arte Popular Brasileira em 2007 na Embaixada do Brasil em Manágua, na Nicarágua. Participou da XII CarboArte no Vale do Jequitinhonha, Minas Gerais, com exposição do seu trabalho e oficina.

Contato com Botega:

Email: botega3@hotmail.com
Tel: (62) 9251-0739

Alex Botega, título desconhecido, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, Nana, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, Dona Ita e Seu Alaô, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, Casal do café, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Alex Botega, Santa Dica, cerâmica policromada. Reproduçao fotográfica do blog "Arte Popular Brasileira" (http://botega.blogspot.com/).

Mestre Guarany

2011-01-27T21:16:00.004-03:00

Francisco Biquida dy Lafuente Guarany, o Mestre Guarany, nasceu no dia 2 de abril de 1882 em Santa Maria da Vitória, Bahia. Ele era filho de um construtor de barcas chamado Cornélio Biquida dy Lafuente Guarany. Com seu pai, vendo-o esculpir as carrancas para as barcas que cruzavam o Rio São Francisco, aprendeu o oficio da madeira. Com a morte do pai passou a trabalhar com o imaginário, produzindo santos, altares e oratórios. Por falta de trabalho nessa área, Mestre Guarany passou a se dedicar a todo tipo de trabalho: da produção de barris para carregar água ao madeiramento de telhados. Em 1922, em busca de melhoria de vida, mudou-se para Bauru; mais tarde, de volta a Santa Maria, tornou-se o mais respeitado mestre das carrancas.

Mestre Guarany. Reproduçao fotográfica Museu Casa do Pontal.

Em 1963, Mestre Guarany começou a colocar nome às suas esculturas e assiná-las como F. Guarany. A partir de então passa a ser considerado um escultor de grande força e personalidade e seu nome se consolida ainda mais entre os colecionadores de arte. Era geralmente ele quem escolhia o motivo para suas esculturas de barca, inspirado em figuras de um baralho português antigo, no dragão de São Jorge, no leão e no cavalo. A característica mais marcante das esculturas do mestre é a cabeleira das carrancas, espessa ou em relevo acentuado, abundante, cobrindo quase todo o pescoço. Mestre Guarany, era o mais antigo produtor destas figuras no Nordeste, a primeira foi feita em 1901: um busto de negro ou de caboclo. Só parou aos 97 anos. Mestre Guarany faleceu em 1987, aos 105 anos.

Mestre Guarany, Salaô, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Mestre Guarany, Ituy, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Mestre Guarany, Muritan, madeira. Reproduçao fotográfica Soraia Carls Leiloes.

As obras do mestre Guarany são encontradas em Museus e em importantes coleções particulares. Algumas delas ainda são comercializadas em leiloes de arte.

Fonte:

- Blog “Oficina Francisco dy Lafuente Guarany” (http://oficinafranciscodlafuenteguarany.blogspot.com). Acesso em 20.01.2011.

- Frota, LC. Pequeno Dicionário da Arte do Povo Brasileiro – Século XX. Aeroplano Editora, Rio de Janeiro, 2005.

Mestre Guarany, título desconhecido, madeira. Acervo do Museu de História e Artes do Estado do Rio de Janeiro. Foto autoria desconhecida.

Mestre Guarany, Futhech, madeira. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Antônio Poteiro

2011-01-24T12:50:00.005-03:00

Antônio Batista de Sousa, mais conhecido como Antonio Poteiro, nasceu no dia 10 de outubro de 1925 na Aldeia de Santa Cristina da Pousa, Província do Minho, Portugal, mas se mudou ainda criança para o Brasil. Depois de morar em São Paulo, Minas Gerais e na Ilha do Bananal, fixou-se em Goiânia em 1955, onde faleceu em 8 de junho de 2010. Antonio Poteiro iniciou-se na vida artística com o seu pai, Américo Batista de Souza que era ceramista e fazia potes. Foi daí que surgiu o sobrenome Poteiro. Antes trabalhou como padeiro, cozinheiro e faxineiro.

Antonio Poteiro. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

O tempo foi passando e os potes de Antonio Poteiro foram se transformado em autênticas esculturas de cerâmica. De simples objetos caseiros, os potes adquiriram formas mais complexas e adornos decorativos, passando a exibir uma vasta imaginação do artista e um excelente domínio da técnica. No campo da cerâmica, a obra de Antonio Poteiro é composta ainda por santos, urnas em alto relevo, animais e peças do imaginário do artista.

Antonio Poteiro, pote, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Antonio Poteiro, título desconhecido, cerâmica. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Antonio Poteiro, Nossa Senhora dos Navegantes, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Antonio Poteiro, título desconhecido, cerâmica. FOTO: Timblindim.

Antonio Poteiro, Nossa Senhora, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Em 1973, incentivado por Siron Franco, começou a transportar os elementos usados em suas peças de cerâmica para as telas. Pintava diretamente sobre a tela, sem nenhum desenho prévio. Além da temática religiosa Antonio Poteiro adicionou à sua obra um sentido de crítica política. Gradualmente passou a apresentar também motivos regionais e temas bíblicos.

Antonio Poteiro, natividade, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Escritório de Arte.

Antonio Poteiro, a ceia, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Antonio Poteiro, S. Francisco e os animais, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Antonio Poteiro, título desconhecido, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Lordello e Giobbi Leiloes.

Antonio Poteiro, título desconhecido, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Entre os artistas brasileiros, é um dos mais conhecidos e apreciados no exterior. Participou ao longo de sua vida de um grande número de exposições individuais e coletivas no Brasil e em outros países. Dentre as exposições individuais merecem destaque: a Exposição de Cerâmica e Pintura (Ouro Preto, 1976), a Exposição de Cerâmica e Pintura no Museu de Arte e de Cultura Popular da Universidade Federal do Mato Grosso (Cuiabá, 1978), a Exposição de Cerâmica e Pintura no SESC (Rio de Janeiro, 1979), a Exposição na Bolsa de Arte de Porto Alegre (1983), a Exposição na Galeria São Paulo (São Paulo, 1984), a Exposição na Fundação Guayasamin em Quito, Equador (1985), a Exposição no Brasilian / American Cultural Institute (Washington, 1986), a Exposição na Embaixada de Portugal no Brasil (Brasília, 1986), a Exposição na Galeria Le Corbusier, na Embaixada da França (Brasília, 1991), a Exposição na Manoel Macedo Escritório de Arte (Belo Horizonte, 1996), a Exposição na Fundação Jaime Câmara Galeria Casa Grande (Goiânia, 1996), a Exposição no Museu de Arte Contemporânea (Goiânia, 2001), a Exposição na Casa Arte Canoas (Canoas, 2003) e a Exposição na Embaixada da França (Brasília, 2004).

Participou duas vezes da Bienal Internacional de São Paulo (1981 e 1991), da Biennalle Internazionale "NAIF", Cittá di Como, Itália (1976) e da V Bienalle Internazionale "NAIFS", entre Fiera e Lombardia, Itália (1980), da III Bienal de Havana, Cuba (1989), da III Bienal de Artes de Goiás (1993) e da Bienal Brasileira de Arte "NAIF", SESC Piracicaba (1994).

Entre os prêmios e honrarias recebidos destacam-se: o Prêmio de Aquisição no I Concurso Nacional de Arte Plástica da Caixa Econômica do Estado de Goiás (1970), o Troféu Tioko" de Melhor Artista Plástico em Goiás (1975), o Prêmio "FUNARTE" no IV Concurso Nacional de Artes Plásticas da Caixa Econômica do Estado de Goiás (1976), o Grande Prêmio Prefeitura de Belo Horizonte (1982), o Prêmio Associação paulista de Críticos de Artes APCA (1984), a Comenda Oficialato da Ordem do Mérito, recebida do Governo da República Portuguesa (1987), o Prêmio de Cerâmica do Santuário da Arte Goiânia (1992), a Medalha Ordem do Mérito Cultural. Brasil (1997), o Prêmio Unesco (2001) e o Troféu Jaburu - Conselho cultural estadual de cultura – Goiânia (2005).

As obras de Antonio Poteiro também faz parte do acervo permanente de museus como: o Museu Professor Zoastro Artiaga (Goiânia), o Museu de Arte e de Cultura Popular da Universidade Federal do Mato Grosso (Cuiabá), o Museu de Arte Moderna - MAM (Rio de Janeiro), o Museu de Arte Moderna (São Paulo), o Museu da Casa Brasileira (São Paulo) e o Museu Municipal de Obidor (Portugal)

Fonte:

- Site do artista: WWW.antoniopoteiro.com, Acesso dia 20/01/2011.

- Frota, LC. Pequeno Dicionário da Arte do Povo Brasileiro – Século XX. Aeroplano Editora, Rio de Janeiro, 2005.

Osmundo Teixeira

2011-01-22T13:58:00.003-03:00

Osmundo Oliveira Teixeira Junior é dos gênios brasileiros da cerâmica. Ele nasceu em Itabuna-BA em 1954, onde mora até hoje. Ceramista desde os 10 anos de idade, seu trabalho representa o mais autêntico sincretismo religioso da Bahia. Sua obra é composta de santos católicos, no mais puro estilo barroco, oratórios e orixás. Osmundo é formado em artes plásticas pela Escola de Belas Artes da UFBA e tem no currículo vários outros cursos, como o de Xilografia (Bahia, 1972), o Curso de Escultura Barroca Bahiana (Bahia, 1974) e o Curso Artes do Fogo (Portugal, 1983).

Osmundo Teixeira. Reproduçao fotográfica do blog Resenhando.

As obras de Osmundo se destacam pela perfeição e surpreendem pela delicadeza e pela elegância das formas. A técnica usada por ele é chamada de casa de abelha, uma técnica de origem romana que dispensa o uso de fôrmas.

Osmundo Teixeira, Nossa Senhora da Conceiçao, cerâmica. Reproduçao fotográfica Revista Casa.

Osmundo Teixeira, Presépio, cerâmica. Reproduçao fotográfica do blog Sopa de Poesia.

Osmundo participou de diversas exposições pelo Brasil e no exterior, dentre elas se destacam: o 1º Salão de Jovens Artistas (Itabuna, 1971), a exposição Santeiros do Brasil (Salvador, 1978); a Mostra de Arte do Nordeste (Salvador, 1981); a exposição Ceramistas Baianos (Brasília, 1985); a exposição Cerâmica Arte da Transformação (Recife 1986); a exposição Rio recebe a Bahia (Rio de Janeiro, 1991), a exposição Milenium (Londrina, 2000) e a exposição O barroco no popular e o popular no barroco (Rio de Janeiro). Suas peças fazem parte do acervo de importantes museus e coleções particulares.

Fonte: site do artista (www.osmundoteixeira.com.br)

Contato com Osmundo Teixeira:

Tel: (73) 3211-9805

Osmundo Teixeira, Jesus menino, cerâmica. Reproduçao fotográfica Galeria Prova do Artista, Salvador-BA.

Osmundo Teixeira, Presépio, cerâmica. Museu de Arte da Bahia. Reproduçao fotográfica Secretaria de Cultura da Bahia.

Osmundo Teixeira, Xangô, cerâmica. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Osmundo Teixeira, Oxum, cerâmica. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Osmundo Teixeira, Iansan, cerâmica. Reproduçao fotográfica do site do artista.

Osmundo Teixeira, S. Francisco, cerâmica. Reproduçao fotográfica Galeria Prova do Artista, Salvador-BA.

Osmundo Teixeira, S. Joao Batista, cerâmica. Reproduçao fotográfica Galeria Prova do Artista, Salvador-BA.

Beto Pezão

2011-01-18T22:27:00.006-03:00

José Roberto Freitas, o Beto Pezão, nasceu em Santana do São Francisco-SE em 11 de dezembro de 1952. O seu pai era escultor e com ele, desde muito cedo aprendeu a arte de esculpir. Com apenas 6 anos de idade ganhou um pequeno torno. Com nove anos já comercializava algumas de suas peças na feira.

José Roberto Freitas, o Beto Pezão. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Dos movimentos suaves das mãos de Beto surgem peças primorosas, modeladas no barro com delicadeza e com uma impressionante riqueza de detalhes. Os seus personagens retratam a vida e a trajetória do povo sertanejo. Seu estilo é inconfundível. Os pés grandes surgiram quando o artista percebeu que algumas imagens não tinham estabilidade, por isso alongou os pés das imagens que fabricava para dar mais sustentação. Seu pai não gostou muito; (...) Papai tinha ido pra feira de Itabaiana, quando chegou que viu disse (...) vixe Nossa Senhora meu filho isso é uma doença (...) disse bem assim, reprovou na hora (...) Rapaz me deu uma tristeza (...) porque eu gostei sabe, conta Beto. Esse fato não fez Beto desistir, pelo contrário, os pezões deram um novo rumo à sua obra e acabaram se transformando em uma marca registrada. São únicos no país e acabaram conquistando o gosto de colecionadores de vários lugares do mundo. Além dos sertanejos, outra paixão do artista são as imagens sacras, as quais também levam consigo, além dos pezões, um pouco da cultura nordestina.

Beto Pezão, figuras sertanejas, cerâmica. Reproduçao fotográfica e-Sergipe.

Beto Pezão, figuras sertanejas, cerâmica. FOTO: Helder Junior.

Beto Pezão, S. Francisco, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Com o seu trabalho Beto participou de inúmeras feiras e exposições no Brasil e no exterior. Suas obras ficaram conhecidas na Argentina, Portugal e Chile. São mais de 50 anos dedicados à arte do barro. Beto atualmente mora em Aracaju, onde mantém seu ateliê.

Contato com Beto Pezão:

Rua Carlos Menezes, 152, Cidade Nova.

49072-100 Aracaju-SE

Tel: (79) 3236-1197.

Fonte:

Lima, Beth & Lima, Valfrido. Em Nome do Autor. Proposta Edital, São Paulo-SP, 2008.

Beto Pezão, menino com balaio na cabeça, cerâmica. Reproduçao fotográfica Blog Fufuquices.

Beto Pezão, lenhador, cerâmica. Reproduçao fotográfica Lauriart.

Beto Pezão, titulo desconhecido, cerâmica. Acervo do Museu do Homem Sergipano. Reproduçao fotográfica Blog EZerberus.

Beto Pezão, titulo desconhecido, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Beto Pezão, titulo desconhecido, cerâmica. FOTO: Thales Brandao.

Amílton Trindade

2011-01-18T13:20:00.006-03:00

Amílton Trindade Narciso é um jovem escultor do distrito de Vitoriano Veloso (Bichinho), município de Prados, Minas Gerais. Na época em que começou a esculpir a madeira, ele foi considerado umas das grandes revelações desta comunidade de artistas, localizada aos pés da Serra de São José em Minas Gerais. Com o trabalho que vem desenvolvendo desde então, deixou de ser revelação para ser considerado um artista de grande talento, reconhecido entre os apreciadores da arte da madeira.

Amílton Trindade. FOTO: arquivo pessoal

Ele aprendeu tudo com seu sogro, Martiniano Moreira de Carvalho, o Naninho, outro artista renomado do povoado de Bichinho, cuja história já foi contada aqui neste blog. Segundo Naninho, o jovem Amílton domina, dentre outros desafios, aquele que o ele considera ser o maior de todos: fazer a madeira bruta ganhar leveza e cobrir as figuras 'como um manto de verdade'.

Entre as obras de Amílton ganham grande destaque os anjos e os santos, autênticos representantes do rico barroco mineiro. Mas em seu ateliê em Bichinho a peça que mais chama a atenção é um Atlante de aproximadamente dois metros de altura, esculpida em madeira bruta. A obra se destaca pela beleza e riqueza de detalhes. Atlas, o titã, tem o tronco seminu e o corpo musculoso, os braços estão erguidos sobre a cabeça, como que a suportar o peso da construção onde se encontra inserido. Amílton conta que a peça só saiu de Bichinho uma única vez, por motivo de uma exposição organizada pelo Centro de Artesanato Mineiro em Belo Horizonte. Desde então ela se encontra em exposição permanente em seu ateliê até que apareça um comprador.

Amílton Trindade, Atlante, madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, Atlante (detalhe), madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Além de ser considerado herdeiro natural da obra de Naninho, Amílton é também responsável, juntamente com muitos outros, pela perpetuação de uma das mais ricas e expressivas tradições de Minas Gerais, a arte santeira. Uma tradição da qual Amílton já faz parte como um dos mais talentosos e expressivos representantes.

Contato com Amílton:

Av. Samuel Possa, 263 – Bichinho

36320-000, Prados-MG

Tel: (32) 3353-7013

Amílton Trindade, Nossa Senhora Desatador dos Nós, madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, Nossa Senhora, madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, S. Joaquim, madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, Anjo, madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, Anjo (detalhe), madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Amílton Trindade, Nossa Senhora (obra inacabada), madeira. FOTO: arquivo pessoal.

Ermelinda

2011-01-17T22:58:00.010-03:00

Ermelinda de Almeida nasceu em Fortaleza-CE em 1947, mas aos 14 anos foi morar com irmã Maria em São Paulo-SP. Três anos depois foi para o Rio de Janeiro cuidar do filho recém-nascido de sua irmã Isabel e lá vive até hoje. Durante boa parte de sua vida trabalhou como costureira. O interesse pela pintura surgiu por acaso em 1994, quando passou por um quadro de dificuldades e depressão. Uma amiga sua chamada Maria Torres a aconselhou a procurar um curso de pintura como uma forma de terapia. No inicio hesitou, até que um dia começou a freqüentar as aulas do Prof. Tancredo de Araújo no SESC. Não tardou muito para desistir. (...) Não adianta me chamar para a pintura. Não tenho interesse, não vou nunca pintar nada. Naquele dia eu estava tão para baixo (...) Estava deitada e comecei a conversar com Deus. (...) O que eu estou procurando, o que eu devo fazer?” Levantei, peguei lápis e papel e comecei a desenhar. Aí falei: “agora eu volto para o curso”. Lá no curso, falei pro professor: “olha, aconteceu isso comigo”. Nessa época nem se falava muito em pintura naif. Ele me disse que era por ali o meu caminho. Aí eu disparei (...) De repente, sempre de madrugada, vem na minha mente: “Eu vou pintar!” O quê eu não sei, porque eu nunca planejo os desenhos; simplesmente pego lápis e papel e é como se alguém pegasse a minha mão e me fizesse fazer o desenho (...), conta Ermelinda.

Ermelinda. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

As obras que surgem na madrugada são diferentes daquelas que resultam de encomendas, embora a técnica seja a mesma. Os quadros que pinta durante o dia exige dela estudo, observação, uso de fotografia. Começou quando foi convidada a pintar uma tela para uma exposição cuja temática era a Copa Mundial de Futebol. Ela conta que essa experiência tirou dela a inibição diante da tela em branco, abrindo caminho para a sua criação. Ermelinda começa um quadro com um desenho a lápis em papel, depois fotocopia o desenho nas dimensões da tela que vai ser usada. A cor azul de fundo é predominante em seus quadros. Após pintar a tela, ela risca o desenho e em seguida contorna a figura com o pincel. A tinta acrílica é a sua preferida.

Ermelinda, Baianas de Candomblé, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, Oxalufã e Oxaguiã, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, Baianas coloridas, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

(...) Hoje não sei mais viver sem o meu pincel. Quanto mais eu pinto, mais vontade tenho de pintar. Isso é uma maravilha. (...) Não escolhi a pintura naif, a pintura naif me escolheu, conta a artista.

Ermelinda participa com freqüência de exposições coletivas, bienais e já recebeu vários prêmios. Começou a expor sua obra em 2000 numa exposição coletiva no Musée de la Création Franche (Bégles, França). A primeira exposição individual teve lugar no Museu Nacional de Belas Artes (Rio de Janeiro, 2002). Em 2010, o Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular (Rio de Janeiro) inaugurou outra exposição individual intitulada “Pinturas de Ermelinda” na Sala do Artista Popular. Dentre os prêmios recebidos destacam-se: a Palheta de Ouro no Salão da Fundação Casa do Estudante (2002), o Prêmio Aquisição na Bienal de Arte Naif do Sesc de Piracicaba (2004) e a Placa de Ouro no I Salão de Artes Plásticas, da Associação de Adminstração Estadual, Rio de Janeiro (2005).

Fonte:

Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”. Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Sala do Artista Popular, n 160, Rio de Janeiro, 2010.

Ermelinda, A mulher e os pássaros, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, arraiá, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, S. Jorge, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, Santa Luzia, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Ermelinda, a vendedora, acrílica sobre tela. Reproduçao fotográfica Catálogo da exposição “Pinturas de Ermelinda”, Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, Rio de Janeiro-RJ.

Maria Amélia

2011-01-16T18:50:00.010-03:00

Maria Amélia da Silva é uma ceramistas pioneiras da cidade de Tracunhaém-PE, ela nasceu em 1924. Quando começou a trabalhar com o barro ainda era muito criança, tinha entre 8 e 10 anos; foi influenciada pelo seu pai, Mestre Didi, que era louçeiro. No início fazia bichos, carrancas, bonecos, mas sua fama veio mesmo foi com as imagens de santos católicos que modela; São José é seu preferido.

Dona Maria Amélia. FOTO: Lucy Passos.

Dona Maria Amélia manuseia o barro com criatividade e simplicidade, imprimindo seu talento e um estilo próprio em cada peça que modela. Suas obras medem de 50 a 70 cm, possuem uma expressão facial simples, mas comovedora. Os mantos são pregueados e largos, uma marca registrada sua que empresta certa imponência à imagem.

Dona Maria Amélia. FOTO: Rildo Moura.

Maria Amélia, Santa Zita, cerâmica. FOTO: Cláudio Zeiger.

Maria Amélia, Nossa Senhora, cerâmica. Reproduçao fotográfica autoria desconhecida.

Maria Amélia, Nossa Senhora da Conceição, cerâmica. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

As obras de Dona Maria Amélia já foram expostas em várias feiras e exposições pelo Brasil e são conhecidas também no exterior. Ela é a artista com mais tempo em atividade no Estado de Pernambuco.

Dona Maria Amélia recebeu em 2011 o título de Patrimônio Vivo de Pernambuco, outorgado pelo Governo do Estado.

Contato com Dona Maria Amélia:

Praça Costa Azevedo, 76.

55805-000 Tracunhaém-PE

Tel: (81) 3646-1778

Maria Amélia, Nossa Senhora do Carmo, cerâmica. FOTO: Lucy Passos.

Maria Amélia, S. Francisco, cerâmica. Acervo do Museu de Arte Popular do Recife. FOTO: Arquivo pessoal.

Maria Amélia, Nossa Senhora, cerâmica. FOTO: Lucy Passos.

Maria Amélia, S. Joao, cerâmica. Acervo do Museu do Homem do Nordeste, Recife-PE. FOTO: Arquivo pessoal.

Maria Amélia, Nossa Senhora Aparecida, cerâmica. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

Maria Amélia, São João, cerâmica. Reprodução fotográfica "Em nome do Autor", Proposta Editorial, SP.

Video - Conversa com Dona Maria Amélia